Dal 16 Ottobre al 13 Dicembre 2014

Looking Glass

Three Feminist Ways to Self-Portrait

da:   www.rosannaciocca.it

Ciocca Arte Contemporanea Di Rossana Ciocca  Via Lecco, 15 20124 Milano

Inaugurazione Giovedì 16 Ottobre ore 18.30
A cura di Raffaella Perna

La mostra Looking Glass: Three Feminist Ways to Self-Portrait propone una riflessione sull’autoritratto fotografico nell’arte femminista italiana degli anni Settanta, a partire dalle opere di tre protagoniste di quella stagione, Tomaso Binga, Nicole Gravier e Paola Mattioli. Tre donne si riappropriano della rappresentazione del corpo e della sessualità, libere finalmente dalla visione e dal desiderio maschili: i lavori di Binga, Gravier e Mattioli muovono dal privato per dare voce a una storia collettiva, rimasta fino a tempi assai recenti esclusa dal sistema dell’arte.
Per le donne, da sempre oggetto dello sguardo e della rappresentazione altrui, l’autoritratto serve infatti a raccontarsi, mettendo in gioco la propria identità e criticando gli stereotipi legati al femminile e al maschile. L’autoritratto fotografico, in particolare, concentra l’attenzione sul doppio ruolo della donna come soggetto e oggetto della rappresentazione: stare nello stesso tempo davanti e dietro l’obiettivo mette a nudo lo scarto esistente tra identità reale e fittizia, e la fotografia diventa il mezzo attraverso il quale scegliere la veste in cui raccontarsi agli occhi dell’altro, assumendo un ruolo attivo nelle dinamiche dello sguardo.
Nell’installazione Mater (1977) Tomaso Binga parte dal proprio corpo nudo, ritratto mentre assume la forma delle lettere che compongono, appunto, la parola “Mater”: crea così un alfabeto gestuale alternativo alla lingua corrente, considerata come una forma di espressione inautentica dalla cui costruzione la donna è rimasta esclusa. Le scritture viventi di Binga costituiscono perciò una radicale alternativa al linguaggio maschile. In Donna in gabbia (1974), poi, Binga denuncia la condizione di subalternità e la mancanza di libertà della donna: si rappresenta infatti dietro le sbarre, come un uccello prigioniero, imboccata da mani maschili, stigmatizzando così il controllo e il potere esercitati dall’uomo, troppo spesso contrabbandati come una forma di cura e protezione volta a tutelare il «sesso debole».
Gli autoritratti della serie Mythes et Clichés (1976-1980) di Nicole Gravier sono una critica agli stereotipi visivi della cultura dominante: l’artista si raffigura mentre simula pose e atteggiamenti tipici del fotoromanzo, appropriandosi dei canoni linguistici e delle inquadrature di questo genere popolare nato in Italia nell’immediato dopoguerra. Così facendo da un lato Gravier esaspera, criticandoli, non solo la banalità e il sentimentalismo del fotoromanzo, ma anche e soprattutto i luoghi comuni della rappresentazione del femminile trasmessi dai media; dall’altro, allo stesso fine, mette in primo piano elementi détournanti che stridono con l’atmosfera «rosa» della foto. Tutto è rappresentato in ambienti intimi come la camera da letto; le pose assunte dall’artista sono rilassate e lo sguardo non è rivolto in camera: lo spettatore è messo nella posizione del voyeur che ha accesso di nascosto a uno spazio privato, sottolineando quanto il processo fotografico, nel rappresentare il corpo, lo oggettualizzi.
La distanza tra l’immagine di sé e quella percepita dagli altri è, anche, al cuore della sperimentazione fotografica condotta da Paola Mattioli a metà degli anni Settanta: la sequenza in mostra, Diana (1977) – che ritrae Diana Bond allo specchio e mentre sitoglie una maschera bianca dal volto – si lega alla pubblicazione del libro Ci vediamo mercoledì. Gli altri giorni ci immaginiamo, raccolta di materiali individuali ed esperienze collettive di un gruppo di donne impegnato a lavorare sull’immagine del femminile. Nel volume Mattioli presenta anche Donne allo specchio (o Faccia a faccia), una serie che indaga il rapporto della donna con l’immagine riflessa, concepita come un autoritratto corale, in cui l’autrice si identifica con i soggetti ritratti: «In ognuna di loro mi rispecchio anch’io, perché è nell’altra che ritrovo frammenti diversi del mio stesso guardarmi». Lo specchio diviene dunque strumento di un viaggio identitario pensato al plurale.

Tomaso Binga (Bianca Pucciarelli in Menna) è un’autrice di poesia visiva, sonora e performativa. Negli anni Settanta ha assunto un nome maschile in segno di protesta contro le disparità che caratterizzano la relazione uomo-donna. Ha partecipato a numerose mostre personali e collettive; tra queste si ricordano le esposizioni al femminile curate da Romana Loda (Coazione a mostrare, Magma, Il volto sinistro dell’arte e non citi altra misura??), le mostre e le performance realizzate con Verita Monselles (Litanie Lauretane, Poesia Muta, Ti scrivo solo di domenica), la mostra Materializzazione del linguaggio, curata da Mirella Bentivoglio in occasione della Biennale di Venezia del 1978. Tra le mostre recenti si segnalano la retrospettiva Autoritratto di un matrimonio (Museo Laboratorio d’Arte Contemporanea di Roma), le personali (quante?) alla Fondazione Federico J. Klemm a Buenos Aires (2006), Viaggio nella parola a La Spezia (2007), Scritture viventi (2013) alla Galleria Galeotti, in collaborazione con la Fondazione Filiberto Menna di Salerno e La Fondazione Carima di Macerata, Zitta tu… non parlare! alla Sala Santa Rita di Roma (2014). Dal 1974 dirige l’associazione culturale Lavatoio Contumaciale, che si occupa di poesia, arti visive, letteratura, musica e multimedialità; dal 1992 partecipa, in qualità di vice Presidente, alla gestione della Fondazione Filiberto Menna.

Nicole Gravier ha studiato all’Académie des Beaux-Arts di Aix-en-Provence, dove nel 1971 si è diplomata in Pittura. Si trasferisce definitivamente in Italia nel 1976. A Milano frequenta l’Accademia di Belle Arti di Brera dove si diploma in Pittura. Nel 1979 espone a New York alla Franklin Furnace e in Svezia alla Galerie St. Petri (Lund). Partecipa alla mostra La Pratica Politica alla Galleria d’Arte Moderna di Modena; nello stesso anno il «Corriere della Sera Illustrato», «HERESIS» e «Progresso Fotografico», le dedicano importanti articoli. Nel 1981 è invitata a Kunst in Sozialen Kontext al Museo di Karlsruuhe e la rivista «KunstForum» le dedica la copertina; nello stesso anno partecipa alla mostra Typish Frau (Kunstverein di Bonn, Galerie Philomena Magers e Stadtische Galerie Regensburg [almeno penso]). Il Museo di Vancouver (Canada) la invita a Mannerism – A Theory of Culture. Nello stesso anno partecipa ad Art Socio-Critique (Festival de La Rochelle). Nel 1997 è invitata a Vraiment: Féminisme et Art al Centre International d’Art Contemporain a Grenoble, con trenta artiste donne operanti in Europa e in America negli ultimi vent’anni. Nel 1999 partecipa alla rassegna Beyond the Photographic Frame all’Art Institute of Chicago, che acquista un suo lavoro.

Paola Mattioli si è laureata in filosofia con una tesi sul linguaggio fotografico; è tra i soci fondatori dell’associazione AMICI del Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo; collabora – per le immagini – alla rivista «Via Dogana» della Libreria delle Donne di Milano. Ha esposto fotografie in numerose mostre personali e collettive. Tra le principali: Immagini del no (1974); Donne allo specchio (1977); Cellophane (1979); Ritratti (1985); Statuine (1987); Ce n’est qu’un début (1998); Trieste dei manicomi (1998); Un lavoro a regola d’arte (2003); Regine d’Africa (2004); Per-turbamenti (2005); Consiglio di Amministrazione (2006); Oltre Lilith (2006); Arte dell’altro mondo (2006); Alfabeti (2007); Sguardi nella città (2011); Donne Donne Donne (2012). Tra le sue pubblicazioni: Ungaretti (1972); Ci vediamo mercoledì (1978); Cattivi sentimenti (1991); Donne irritanti (1995); Tre storie (2003); Regine d’Africa (2004); Fabbrico (2006); Dalmine (2008); Una sottile distanza (2008); Passi di un’oca sperduta nella neve (2012); Mémoires d’Afrique (2013).

di Massimo Lizzi

«Diteci se siamo dei mostri» Lo chiede un gruppo di detenuti condannati per reati di violenza sulle donne, stupratori e femminicidi. Gli dà voce il Fatto Quotidiano con un articolo di Ferruccio Sansa.

Il giornalista, oltre la soglia del carcere, è disorientato, vede immagini sdoppiate, non riesce a credere che quelle persone, già manager, artigiani, operai, davanti a lui in carne e ossa, dai modi franchi, gli occhi scuri, gli occhi azzurri, le mani curate, le dita affusolate, disegnatori di boschi e fiori sui muri della cella, abbiano potuto violentare e uccidere. Il giornalista sente la sofferenza e il dolore di questi uomini nell’affrontare le loro responsabilità, nell’aver vissuto i momenti più duri, l’arresto, gli articoli sui giornali, la scoperta di essere capaci di compiere una violenza così terribile. Anche se meno terribile di quella di uno stragista, che di donne con una sola bomba ne ha uccise ben di più: il giornalista percepisce la loro gratitudine, per essere lì a parlare con loro, perchè questi uomini sono considerati i più infami tra i criminali dagli altri detenuti, forse perchè la forza misteriosa e tremenda del sesso li fa sembrare peggio.

I detenuti intervistati partecipano ad un percorso di recupero con una psicanalista, ammettono le proprie responsabilità e si raccontano senza reticenze e senza farsi sconti. Anche se a leggere l’articolo si nota poco. Nessuno sa come sia potuto accadere. Uno aveva voglia di primavera, uno si è sentito provocato, uno voleva punire quella che gli veniva dietro, uno ha avuto la moglie malata ed ha violentato la dipendente, uno è caduto nella trappola come capita anche ai politici, uno ha reagito ad una coltellata perchè lei, chissà come mai, ha ritenuto di doversi difendere in quel modo. Ma quei gesti non li riflettono, sono come buchi neri, capivano quel che succedeva, ma non riuscivano a fermarsi. Dentro di sé vedono il male, ma anche il bene, non sono cattivi, non meritano di essere condannati a vita.

Sono dei mostri? La domanda è manipolatoria. Fa leva sul senso di colpa di chi è chiamato a giudicare. Se dai una risposta diversa dal no sei demonizzante. Un giustiziere che se ne tira fuori, se sei un uomo. Una vendicativa, rancorosa, priva di comprensione e di pietà, se sei una donna. Certo che no, nessuno è un mostro. Neanche i terroristi, gli stragisti, i lapidatori talebani, gli sgozzatori dell’Isis, neppure i nazisti di Auschwitz, Buchenwald, Dachau. E’ una risposta ovvia e banale, perchè fartela dire? La loro umanità non è forse riconosciuta? Nessuno li ha linciati, torturati, condannati a morte. Hanno avuto un processo, il diritto alla difesa, una sentenza ad una pena finita, con sentenza motivata, a cui possono fare appello. Hanno accesso a corsi di recupero e forse a pene alternative.

Tutte cose a cui sono favorevole. Come, immagino, molti lettori del Fatto. Dunque, cosa vuole comunicarci l’articolo, cosa ci chiede? Vuole persuaderci ad approvare un’amnistia, un indulto, ad essere garantisti? Eppure è il giornale di Marco Travaglio, non quello di Piero Sansonetti. Infatti, non ci mostra l’umanità dei condannati per corruzione politica o per mafia. Ci mostra quella del femminicida. Perchè?

Le donne già riconoscono l’umanità dei violenti. Ne sono figlie, ne sono sorelle, li hanno per fidanzati, per mariti, per amici, per datori e colleghi di lavoro. Quasi mai li denunciano, tante volte li perdonano, credono alle loro promesse, ai loro pentimenti, gli offrono l’ennesima possibilità, andando incontro a nuove sofferenze, rischiando la pelle, talvolta rimettendoci la vita. Quell’ambivalenza, quell’umanità, è la trappola nella quale tante donne rimangono imprigionate. Ora, arriva un giornalista maschio a spiegare che quegli uomini sono ambivalenti, sono umani. Senza però spiegare che quell’ambivalenza, è da sempre uno dei meccanismi, forse il più efficace, attraverso cui la violenza e il dominio maschile si perpetuano.

A parte qualche giustiziere di circostanza, magari dietro le sbarre anche lui, gli uomini dal canto loro sono fin troppo comprensivi. Comprensivi sono gli amici, come emerge dai racconti, per i quali il 90 per cento degli uomini, nelle stesse circostanze, se provocati, agirebbero allo stesso modo, e come leggiamo nell’articolo, lei provoca, lei ci sta, lei viene dietro, lei si difende sconsideratamente. Comprensivi sono i giornalisti che ogni volta ci raccontano che lui era una brava persona, normale come tanti altri, divenuto fragile, depresso, geloso, sotto stress per uno sfratto, un licenziamento, un fallimento, ha avuto un raptus di follia, al culmine di una lite, poichè lei gli ha fatto qualcosa e lui ha reagito, è così si è rovinato la vita. La sua.

Il quadretto dei racconti dei detenuti per violenza, non è diverso dai tanti resoconti di cronaca, dove lui violenta o uccide lei, raccontati dal punto di vista di lui, che per lui suscitano incredulità, comprensione, empatia. La violenza scissa dall’autore. La violenza agisce l’autore. L’autore scisso in se stesso: una parte violenta e una parte stupita che contempla la propria violenza. Il suo vero io ovviamente è la parte contemplatrice. Nulla è raccontato sugli atteggiamenti, sui comportamenti, sui maltrattamenti che precedono il gesto estremo, rappresentato come un atto folle e solitario, che irrompe sorprendente nel contesto di una vita normale e tranquilla. Nulla è raccontato sulla concezione della donna che alberga nella mente di questi uomini. Nulla si iscrive nella diseguaglianza del rapporto sociale tra i sessi, di cui la violenza di genere è espressione e funzione. Il giornalista vede solo la forza misteriosa del sesso che ci fa esagerare l’infamia di questi reati. Il femminicidio, mai nominato nell’articolo, un reato a sfondo sessuale?

Uno stragista può avere ucciso più donne e più bambini di un femminicida. Ma evidenziarlo, ammesso sia corretto fare paragoni e stabilire graduatorie, finisce solo per sminuire e relativizzare la violenza sulle donne. Il terrorista, il mafioso, il criminale comune non uccide le donne perché si sottraggono al loro ruolo di genere. Non uccide persone da lui dipendenti affettivamente o economicamente. La violenza maschile da quella fonte proviene. Da uomini a cui le vittime sono legate negli affetti, in cui hanno riposto fiducia, a cui si sono rese, almeno in parte, dipendenti e vulnerabili. Una violenza che non è solo un fatto episodico per quanto grave e drammatico, ma un intero contesto di relazione e convivenza. Che spesso e volentieri, operatori della giustizia, della sanità, dell’informazione, scambiano per conflitto. Un conflitto durante il quale, ad un certo punto, lui misteriorsamente, solo per un attimo fatale si fa mostro. Prima è normale, poi torna normale.

Ringraziando la testata, pubblichiamo la versione integrale di un’intervista che Andrea Cirolla ha fatto alla scrittrice vietnamita Kim Thúy sulle pagine del Corriere della Sera, edizione di Milano, in occasione dell’uscita in Italia del suo secondo romanzo «Nidi di rondine». In coda, una nota a margine della presentazione milanese del 24 settembre.

di Andrea Cirolla

«Scrivo perché amo le parole. Sono sempre alla ricerca del sentimento “amoroso” in ogni cosa, nella bellezza fragile di un fiore selvatico sul bordo dell’autostrada come nel movimento di un battito di ciglia. Amo amare».

Alle parole, a certe parole, Kim Thúy – nata a Saigon nel 1968, emigrata in Canada dieci anni dopo – ha dedicato il suo ultimo libro, tradotto da Cinzia Poli per Nottetempo. In forma di sillabario, «Nidi di rondine» racconta la storia di Mãn, una donna che sembra somigliarle molto, per trascorsi e inattese svolte della vita. Lo stesso accadeva rispetto alla storia di Nguyễn An Tịnh, raccontata in Riva, il suo primo libro, un grande successo di critica e pubblico uscito in Italia nel 2010 sempre per Nottetempo (e tradotto con altrettanta grazia da Cinzia Poli). In entrambi i casi non regge invece l’analogia tra i caratteri, ma piuttosto una complementarietà di voci, quando si cerca di ritrovare in quella donna minuta, e insieme florida, e stupendamente comunicativa, le protagoniste dei suoi romanzi. Mãn conduce una vita silenziosa, senza rumori e quasi anche senza voce. Lavora a Montréal nella cucina del ristorante di suo marito, immigrato vietnamita che l’ha portata via con sé da Saigon ottenendola in sposa dalla «terza madre» – «la Mamma» –, dalla quale dopo una «prima madre» – perduta – e una «seconda madre» – fuggita – lei venne salvata. Il silenzio e il ritegno separano Mãn dal mondo dentro il mondo; finché non arrivano Julie, Philippe, Luc, tre personaggi che sono tre rivoluzioni – nell’amicizia, in cucina, nell’amore – e le insegnano la fiducia, e forse a comprendere che si può smettere di difendersi dal mondo, che il mondo stesso è capace di proteggere. Nidi di rondine racconta una maturazione, una fioritura, una delicata riscoperta dei sensi e delle sensazioni, con tutto ciò che questo comporta anche interiormente.

«Amicizia», «Errori», «Ricamare», «Frrr!» sono alcune tra quelle di Mãn. Ma se dovesse scegliere una sola parola che rappresenti la storia di Kim, cioè la Sua storia, che parola sarebbe?

«La parola sarebbe “Innamorata”. Ho scritto delle storie perché mi sono innamorata di un soggetto, oppure ho avuto un colpo di fulmine per un oggetto, o perché un luogo mi ha affascinata. Il sentimento amoroso è sempre la prima motivazione».

Il Suo libro insegna che la liberazione può passare dalle parole.

«La scrittura ci permette di attraversare le frontiere, di saltare oltre le recinzioni, di passare attraverso le sbarre. In «Ru» ho reso omaggio a un prigioniero vietnamita che, durante la sua prigionia, non ha potuto avere che un solo piccolo pezzo di carta e una matita. Egli ha scritto pagine e pagine su questo piccolo foglio, una parola accanto all’altra, una parola sopra l’altra. Questo foglio, questa scrittura, l’ha salvato, lo ha mantenuto sano e soprattutto l’ha aiutato a non perdere la speranza: un sentimento fragile e facilmente distruttibile. Anche Nelson Mandela ha scritto il suo libro in carcere. Mi chiedo se questa scrittura non lo abbia allo stesso modo aiutato a rimanere in piedi. Così come la scrittura ci libera, la lettura ci trasporta. Il potere delle parole scritte è così grande che durante le rivoluzioni, molto spesso, si distruggono i libri. Si può imprigionare, isolare un popolo privandolo della lettura. Nel mio caso, tutti i libri furono confiscati col cambiamento di regime politico del 1975 in Vietnam. In breve, credo che le parole ci liberino perché ci danno il potere di riflettere e la possibilità di sognare».

Mãn è una chef, come lo è stata Lei. Che valore attribuisce alla cucina?

«I piatti, i cibi, portano con sé una grande carica emotiva nel momento in cui evocano spontaneamente dei ricordi. Amiamo un cibo più di un altro non solo per il suo gusto in quanto tale, ma anche per l’emozione che ci offre».

Prima di incontrare Julie e Luc, Mãn sembra vivere perennemente in un distacco, come se fosse sotto anestesia. È qualcosa che si riflette nel Suo stile letterario, nella Sua lingua, così disciplinata. Forse proprio per questo, nei brevi momenti in cui sulla pagina Lei si concede al sentimento della meraviglia, per contrasto la Sua voce acquisisce un volume sbalorditivo, e cresce l’emozione sulla pagina così come dentro il lettore. Insomma, avviene la poesia. Riconosce questa analogia tra il carattere di Mãn e la Sua scrittura?

«Lei è la prima persona che mi ha posto questa meravigliosa domanda! Ha visto giusto. In effetti, c’è un forte senso di distacco. Probabilmente è questa impressione d’essere anestetizzata che genera una scrittura estremamente silenziosa. Non ho mai sentito la voce dei miei personaggi. Sono “muti”… o se non altro io ho l’impressione che i miei libri siano vecchi film in bianco e nero, senza suono… come Mãn. Lei ha ragione: Mãn ha la personalità della mia scrittura. O è la mia scrittura che somiglia alla personalità di Mãn…».

***

L’insegnamento di vedere, ascoltare, sentire Kim Thúy. La sua allegria, contagiosa; il suo entusiasmo; ma soprattutto la sua meraviglia spontanea per ogni fenomeno che il mondo produce e le sottopone, per ogni accadimento. Ieri sera, alla Libreria Coop Statale di via Festa del Perdono, in margine alla presentazione di Nidi di rondine, Kim Thúy s’è messa a parlare delle verdure preparatele da Roberta, un’amica; poi ha raccontato della polenta con schie mangiata a Venezia con Andrea, della casa editrice Nottetempo. In entrambi i casi, la descrizione dei piatti si è presto eclissata dietro il senso di gratitudine per quelle verdure così accuratamente tagliate e presentate, per quei gamberetti minuscoli sgusciati uno per uno (“quante ore di lavoro ci saranno volute!”). Dentro una portata, insieme col risultato, con la resa estetica del piatto, Kim Thúy sembra vedere l’intera genesi, il lavoro dedicato. Non ovviamente nel senso del dettaglio, non ha poteri di sensitiva che le permettano di documentare a posteriori la preparazione, né ci arriva con l’immaginazione; semplicemente non trascura la dedizione che ogni piatto, e a maggior ragione un piatto cucinato con passione (o addirittura con amore), comporta; e sa capire che ogni cibo è in fondo un simbolo, un indicatore, forse una sorta di deittico? comunque qualcosa che non tanto dice quanto mostra l’energia, anzi la forza che ha mosso il cuoco o la cuoca dentro la cucina. Kim guarda quei piccolissimi gamberetti grigi e si meraviglia. La grandezza del dono che ogni cibo – anche se pagato, dentro un ristorante – non smette mai di essere quasi la imbarazza, o se non altro la ammutolisce. È questa sensibilità per ciò di cui il mondo è rivelatore che sbalordisce, ascoltandola. Leggendo il suo libro, annotavo sul mio taccuino qualcosa di analogo, e cioè che la lingua letteraria di Kim Thúy non dice le emozioni, perché questo vorrebbe dire disinnescarle, ma mostra il luogo in cui esse sorgono, così che il lettore possa arrivarci trovandole ogni volta intatte, sempre di nuovo completamente da vivere. Questa è una pratica, e le viene dalla capacità naturale di intuire, nelle espressioni del mondo – ossia nelle cose, in ogni cosa; nelle persone, in ogni persona –, la loro genesi, nel senso che dicevo prima. L’esteriorità delle cose e delle persone è ciò che il mondo offre alla visione; altro è ciò che il mondo rivela o può rivelare. Lei guarda e insieme osserva; e osserva sempre, per così dire, in controluce. Sullo sfondo, senza che la superficie scompaia alla vista, le appare insieme, sincronicamente, il “cuore” delle cose. O così almeno è come io mi immagino che accada. Allo stesso modo, nelle sue storie, il passato remoto (il Vietnam) e il passato prossimo (il Canada, lo stesso luogo del suo presente) fluttuano – «oscillano» è il verbo che torna in entrambe le quarte di copertina dei suoi due libri nell’edizione italiana – fluttuano verso uno stesso punto disciplinati dall’ordine di una dimensione che non è temporale né spaziale, ma è quella delle parole.

di Duoda

Querida amiga, querido amigo de Duoda:

Ser una mujer libre hoy en día es una apuesta y una experiencia contradictoria y no exenta de sufrimiento, porque el modo individualista de entender tradicionalmente la libertad no nos satisface a las mujeres que necesitamos y disfrutamos la relación. Y algo parecido les pasa a los hombres relacionales. Las redes sociales nos ayudan, pero resultan vacías si no van acompañadas de un trabajo interior que ayude a conocerse más y mejor antes de expresarse.

En el máster semipresencial en Estudios de la Diferencia Sexual del Centro de Investigación Duoda (Universidad de Barcelona) ofrecemos precisamente relaciones y conocimientos que sirvan para explorar y explotar la riqueza personal que cada mujer u hombre tiene, riqueza que viene de su propia experiencia y de la fuerza de su necesidad y de su deseo. Es un programa anómalo y a medida, basado en la atención personalizada, que se puede cursar entero o en pequeños módulos, tanto online como, en parte, en presencia.

Si no lo conoces, te invitamos a mirarlo en nuestra web: www.ub.edu/duoda/ Si ya lo conoces, te invitamos a curiosear las cosas nuevas que ofrecerá el curso 2014-2015. Y te pedimos, agradeciéndotelo de antemano, que lo difundas entre tus amistades, virtuales o no. Y si puedes, que nos aconsejes modos de difundirlo. Necesitamos 30 estudiantes.

El período de preinscripción (y entrega de documentación) dura hasta el 30 de octubre de 2014. El correo de contacto es duoda2@ub.edu

No es infrecuente oír de nuestras exalumnas y exalumnos que este máster les ha cambiado la vida. Porque además de un título es una inversión en ti, en tu propia vida y en tu felicidad.

Recibe un saludo muy cordial de

María-Milagros Rivera Garretas y Núria Beitia Hernández, corresponsables del programa, y de Núria Jornet Benito, directora de Duoda.

Cara amica, caro amico di Duoda,

essere una donna libera oggigiorno è una scommessa e un’esperienza contraddittoria e non esente da sofferenza, perché il tradizionale modo individualista di intendere la libertà non ci soddisfa, non soddisfa le donne che hanno bisogno e piacere della relazione. E qualcosa di simile capita anche agli uomini relazionali. Le reti sociali ci aiutano ma si rivelano vuote se non si accompagnano a un lavoro interiore che aiuti a conoscersi di più e meglio prima di esprimersi.

Nel master semipresenziale in Studi della Differenza Sessuale del Centro di Ricerca Duoda (Università di Barcellona) offriamo proprio relazioni e saperi che servano a esplorare e usare la ricchezza personale che ciascuna donna e ciascun uomo possiede, ricchezza che viene dalla propria esperienza e dalla forza del proprio bisogno e del proprio desiderio. È un programma anomalo e su misura, basato sull’attenzione personalizzata, che si può seguire per intero o in piccoli moduli, sia online sia, in parte, in presenza.

Se non lo conosci, ti invitiamo a guardarlo nel nostro sito. www.ub.edu/duoda/ Se lo conosci già, ti invitiamo a curiosare tra le cose nuove offerte dal corso 2014-2015. E ti chiediamo, ringraziandoti in anticipo, di diffonderlo tra le tue amicizie, virtuali e non. E se puoi, di consigliarci modi di diffonderlo. Abbiamo bisogno di almeno 30 studenti.

Il periodo di preiscrizione (e consegna della documentazione) dura fino al 30 ottobre 2014. La email di contatto è duoda2@ub.edu

Non è infrequente sentir dire dalle nostre exalunne e exalunni che questo master ha cambiato loro la vita. Perché oltre che un titolo è un investimento su di te, sulla tua vita e sulla tua felicità.

Un saluto molto cordiale da

María-Milagros Rivera Garretas e Núria Beitia Hernández, responsabili del programma, e Núria Jornet Benito, direttrice di Duoda.

Ndt: La lingua prevalente è lo spagnolo ma ci sono anche docenti italiane con cui si può lavorare nella nostra lingua: Anna Maria Piussi, Chiara Zamboni, Diana Sartori, Donatella Franchi, Clara Jourdan.

(www.libreriadelledonne.it, 27 giugno 2014)

di Umberto De Giovannangeli

di Franca Fortunato

La pubblicazione, per la prima volta integrale, degli ultimi scritti di Simone Weil (Parigi 1909-Ashford 1943) composti a Londra tra il 1942 e il 1943 e raccolti in Una costituente per l’Europa (Castelvecchi, 2013), è segno di attenzione verso un pensiero che oggi si rivela di sorprendente attualità. A quegli scritti si ispira il numero di settembre di Via Dogana, la rivista di pratica politica della Libreria delle donne di Milano, dal titolo “L’Europa di Simone Weil”. Più che scrivere – racconta nel suo editoriale Vita Cosentino – Weil avrebbe voluto combattere, ma nel maggio del 1942 è costretta ad abbandonare la Francia e partire per gli Stati Uniti per mettere in salvo i genitori dalla persecuzione razziale. Il suo progetto è di farvi ritorno e partecipare attivamente alla resistenza, ma tutte le sue richieste in tal senso vengono respinte. France libre, l’organizzazione in esilio capeggiata da De Gaulle, la colloca invece in un ufficio londinese con il compito di esaminare pile di documenti provenienti dalla Francia occupata, in vista della riorganizzazione del paese a guerra finita. Chiusa nel suo ufficio – fino a tarda notte scrive pagine intensissime su tutte le questioni importanti del momento: la sovranità nazionale, i partiti politici, la giustizia, la logica dei diritti, la riforma costituzionale… Soprattutto matura l’idea che vivere in un’epoca in cui si è perduto tutto può essere l’occasione perché l’Europa faccia una sorta di autocoscienza e comprenda che la guerra non era stata la causa ma la conseguenza di una malattia più antica: la perdita di contatto con le radici della propria civiltà. E da qui ripartire. Pensa e scrive febbrilmente fino alla morte, che la coglie per tubercolosi la sera del 22 agosto del ’43. Accanto al suo letto d’ospedale, su un foglietto è stato trovato un frammento: «La sola cosa che possiamo costruire è una civiltà. Nuova, rispetto al caos spaventoso finito in incubo. Viva. Se possiamo». Simone Weil propone un’Europa unita, fondata sul ritrovamento delle proprie radici culturali, che sappia guardare al futuro in una prospettiva politica e culturale e non solo giuridica ed economica.

È l’Europa politica che non c’è e di cui si discute in tutti i paesi. Oggi, c’è un’Europa ingabbiata nei parametri di Maastricht, che ha «dimostrato un’incapacità politica stupefacente diventando preda del giocatore più forte, il capitalismo finanziario. E del paese economicamente più forte, la Germania, paese che non riesce ad avere un’egemonia culturale e politica. Infatti, ragiona pressappoco in questo modo: a me va bene così e così deve andare bene a tutti. …l’Europa è una realtà in fieri – scrive Lia Cigarini –. C’è una moneta unica ma non c’è una Costituzione europea. Quindi le cittadine/i europei non hanno ancora sottoscritto alcun patto sociale. C’è uno scenario aperto per la costruzione di un’Europa che vada oltre la sovranità degli Stati nazionali senza cadere nell’errore di spostarla su un superstato, che abbia nella negoziazione il suo principale strumento politico e non possa fare a meno – come scrive la Weil – del soprannaturale, del simbolico: “Al di sopra delle istituzioni, destinate a tutelare il diritto, le persone, le libertà democratiche, bisogna inventarne altre, destinate a discernere ed eliminare tutto ciò che nella vita contemporanea schiaccia anime sotto il peso dell’ingiustizia, della menzogna e della bassezza. Bisogna inventarle, perché sono sconosciute”». Oggi, in Europa, rispetto alle forme simboliche del diritto, esiste altro. «Negli ultimi cinquant’anni – scrive Clara Jourdan – è accaduto del nuovo: il movimento delle donne ha scoperto ed inventato la politica delle relazioni che creano autorità, all’interno e oltre i confini degli Stati, attraverso il senso libero della differenza (che segna tutti gli esseri umani) e l’accettazione delle differenze.» Simone Weil indignata, non meno di quanto siano molti oggi per il degrado della politica istituzionale, al punto da proporre l’abolizione dei partiti per favorire l’attenzione di ogni parlamentare alla giustizia e non la fedeltà alla disciplina di partito, è drastica: i partiti non sono strumenti di libertà e di democrazia, gli esseri umani sì. Perciò il popolo deve nominare esseri umani non perché lo rappresentino ma perché si occupino delle sue aspirazioni più profonde e vere come l’anelito alla giustizia. La sua esortazione a «Non credere di avere dei diritti», fatta propria dal femminismo della differenza, per l’Europa – come scrive Maria Concetta Sala – significa non puntare su una politica di rivendicazioni ma tenere aperto, oltre al diritto, il riferimento alla giustizia in cui trova «il suo limite invisibile l’imperio della forza». «Se si dice a qualcuno in grado di capire “ciò che stai facendo non è giusto”, è possibile risvegliare lo spirito di attenzione e di amore. Ma non si ottiene lo stesso scopo con parole come “Io ho il diritto di…”, “Tu non hai il diritto di…”, che racchiudono in sé una guerra latente e suscitano uno spirito bellicoso. Quando se ne fa un uso quasi esclusivo diventa impossibile fissare lo sguardo sul vero problema.» Se i suoi contemporanei, tranne poche eccezioni, hanno ascoltato poco o niente le parole di Simone Weil, oggi, e non da ora, esse trovano nelle donne della differenza orecchie più attente. In questa Europa ci sono altre/i disposti a fare altrettanto?

(Il Quotidiano Del Sud, 30.09.2014)

di Chiara Freschi

dal 1/10/2014 al 01/02/2015

HANGAR BICOCCA Via Chiese 2 Milano

Pirelli HangarBicocca presenta Light Time Tales, la più ampia mostra mai dedicata a Joan Jonas. Il progetto espositivo, a cura di Andrea Lissoni, riunisce venti opere, tra installazioni e video, di una delle più riconosciute artiste contemporanee che ha inventato nuove forme di narrazione, attraversando i confini fra le discipline.

SEMINARI 2014-2015

Il corpo e la polis

Primo ciclo a cura di Lea Melandri

Il femminismo e i saperi tradizionali: cambiamenti, difficoltà incontrate

Il gruppo “sessualità e simbolico”, nato nel 1977 e confluito in parte nell’esperienza dei corsi 150 ore (scuola di via Gabbro, Cooperativa Gervasia Broxon), nella rivista “Lapis. Percorsi della riflessione femminile” e nella Libera Università delle Donne, si era chiesto quanto la “lenta modificazione di sé” prodotta dall’autocoscienza, avesse modificato i “cento ordini del discorso” – saperi, linguaggi disciplinari – a cui ognuna aveva fatto fino allora riferimento.

Negli anni seguenti questo interrogativo radicale sembra avere incontrato ostacoli e difficoltà, non a caso proprio nei luoghi della trasmissione del sapere: la scuola a tutti i suoi livelli. Ciò nonostante, non sono mancate esperienze, che possiamo considerare esemplari, di donne che con la pratica dell’autocoscienza sono riuscite a “pensare e parlare differentemente” anche in ambiti specifici della cultura tradizionale.

1° SEMINARIO sabato 11 ottobre 2014 ore 14,30 – 18

Partire da sé: la storica, la maestra, la bambina.

Come il femminismo ha in-segnato le vite e disordinato le discipline

Coordinano: Emma Baeri – Maria Bacchi – Dinushi Lesi

“Una storica impostorica” (Emma Baeri)

“La storia, l’autobiografia, l’immaginario della nascita” (Maria Bacchi)

“Si può insegnare l’autocoscienza?” (Lea Melandri)

2° SEMINARIO sabato 15 novembre 2014 ore 14,30 -18

Femminismo, psicanalisi, politica

Coordinano: Lea Melandri – Paola Zaretti

“Ma le donne l’inconscio ce l’hanno” (Paola Zaretti)

“Una visceralità indicibile” (Lea Melandri)

3° SEMINARIO sabato 17 gennaio 2015 ore 14,30 – 18

Femminismo, economie alternative, movimenti per la decrescita

Coordina: Paola Melchiori, sono previsti altri contributi

4°SEMINARIO sabato 21 febbraio 2015 ore 14,30 – 18

Femminismo e scienza.
Agnese Piccirillo (Seranis), singolare figura di femminista, scienziata, scrittrice

Coordinano: Liliana Moro e Sara Sesti; introduce: Lea Melandri

Intervengono: Daniela Pastor – Nicoletta Buonapace – Henriette Molinari

Letture dalle opere di Agnese Seranis

Secondo ciclo a cura di Barbara Mapelli

Tra Donne e Uomini, Nuovi Modi di Essere Insieme

Pensieri, esperienze, emozioni tra soggetti e generazioni

L’amore tra noi

PRIMO INCONTRO: sabato 14 febbraio 2015 ore 14,30 – 18

L’amore come sentimento, desiderio di intimità e condivisione, in un’ottica in divenire, confronto generazionale oltre che tra generi

con Elena D’Agnolo, Alessio Miceli e Camilla Notarbartolo

SECONDO INCONTRO: sabato 14 marzo 2015 ore 14,30 – 18

L’amore e il denaro: ancora una questione di potere tra donne e uomini

con Lea Melandri e Gianandrea Franchi

TERZO INCONTRO:sabato 18 aprile 2015 ore 14,30 – 18

L’amore e la cura: esercizi di cura al maschile

con Elisabetta Cibelli e Giacomo Mambriani

Gli incontri si svolgono con la consueta modalità: una relatrice e un relatore, con un compito di stimolo al dibattito.

CORSI E GRUPPI DA OTTOBRE 2014

2 ottobre
Primo incontro del nuovo Gruppo “Leggere” condotto da Laura Lepetit

Il gruppo si riunisce il primo e il terzo giovedì del mese dalle 16 alle 18

8 ottobre

Primo incontro del Corso di scrittura “Dentro la fiaba” condotto da Barbara Mapelli

Il gruppo si riunisce il mercoledì dalle 15,30 alle 18

9 ottobre

Primo incontro del Gruppo “Scrittura d’esperienza” condotto da Lea Melandri

Il gruppo si riunisce il secondo e il quarto giovedì del mese dalle 17 alle 19

20 ottobre ore 16
Prima lezione del corso “Respiro e voce” condotto da Jennifer Rowley

Aggiornamenti e approfondimenti sul sito www.universitadelledonne.it

Libera Università delle Donne

Corso di Porta Nuova, 32 – 20121 Milano, tel/fax. 02.6597727 – 3479931607

www.universitadelledonne.it – universitadonne@gmail.com

da “Il Manifesto” del 26 settembre 2014

Anne Marie Sauzeau, leggerezza di una critica militante

di Daniela Lancioni

La scomparsa della critica d’arte Anne Marie Sauzeau, per molti anni collaboratrice del “manifesto”

scom­parsa Anne Marie Sau­zeau al ter­mine di una malat­tia di cui poco sape­vano anche le per­sone che la cono­sce­vano bene. Nel ricor­darla dob­biamo far con­vi­vere atti­tu­dini e sfere di cono­scenza diverse,disponendone i tas­selli l’uno accanto all’altro in modo da farli gen­til­mente com­ba­ciare. Un noma­di­smo intel­let­tuale il suo che sem­brava ger­mo­gliare dall’istintivo rea­gire, in maniera lucida e lieve e sem­pre intel­li­gente, alle vicende della vita. Ope­rando scelte, ela­bo­rando con­tri­buti, met­tendo a punto una pra­tica che ora pos­siamo pren­dere a modello di quel ten­ta­tivo di armo­niz­zare la sfera pri­vata con quella poli­tica e pub­blica, mecca della sua gene­ra­zione che è stata gio­vane negli anni Ses­santa. Ha scritto su Mau­rice Merleau-Ponty e sui temi della filo­so­fia è più volte inter­ve­nuta sulle pagine di que­sto gior­nale di cui è stata a lungo firma auto­re­vole. Nel 1976 ha tra­dotto e pub­bli­cato in ita­liano S.C.U.M. il feroce mani­fe­sto per l’eliminazione dei maschi scritto nel 1967 dall’americana Vale­rie Sola­nas; allo scor­cio degli anni Set­tanta, cogliendo, evi­den­te­mente e con tem­pi­smo, la neces­sità di son­dare l’irrazionale, ha inter­ro­gato gli spi­riti enig­ma­tici che sono all’origine della moder­nità, riflet­tendo su Ste­phane Mal­larmé e sul poeta e inci­sore Aubrey Beard­sley. Con con­ti­nuità ha eser­ci­tato la cri­tica d’arte che ha saputo armo­niz­zare con la mili­tanza fem­mi­ni­sta.
A lei si deve la for­mu­la­zione di alcuni inter­ro­ga­tivi che sono ancora vitali se gio­vani stu­diose li assu­mono a punto di par­tenza delle loro ricer­che, come è il caso di Marta Ser­ra­valli che intro­duce il suo recente stu­dio sull’arte e il fem­mi­ni­smo negli anni Set­tanta con la domanda di Anne Marie Sau­zeau: dove si iscrive la dif­fe­renza ses­suale in arte? Nel 1975 di ritorno da un sog­giorno a New York Sau­zeau scri­veva «il fem­mi­ni­smo è ricerca intima della pro­pria iden­tità esi­liata, prima ancora che riven­di­ca­zione dei diritti civili» e poi ancora una domanda: «l’arte ha un sesso?». Su «Data» pre­sti­giosa rivi­sta d’arte di cui era col­la­bo­ra­trice si diede una rispo­sta, che suona quasi leg­gera, per­sino un poco iro­nica, tanto stem­pera con l’evidenza dei fatti la sin­tesi ideo­lo­gica che da essi ne è deri­vata: «L’arte forse no, ma gli arti­sti sì».
La sua mili­tanza, sin­te­tiz­zata nel con­cetto su cui è tor­nata più volte a riflet­tere di «altra crea­ti­vità», si è dun­que espressa met­tendo a frutto la sua pro­fonda capa­cità di inten­dere e la sua felice scrit­tura soprat­tutto al ser­vi­zio delle donne arti­ste. Lungo il cata­logo di coloro su cui ha riflet­tuto e scritto, da Carla Accardi a Gio­setta Fio­roni, da Arte­mi­sia Gen­ti­le­schi a Edita Bro­glio, Marilù Eusta­chio, Lucia Romualdi, Suzanne San­toro, Elisa Mon­tes­sori.
A rom­pere l’esclusività di que­sta scelta quasi tutta al fem­mi­nile biso­gna con­si­de­rare l’altro grande «tas­sello» della sua vita: quel genio di Ali­ghiero Boetti cono­sciuto nel 1962, quando lui ancora nean­che faceva i dise­gni psi­che­de­lici, spo­sato nel 1964 quando ancora man­cava qual­che anno all’exploit dell’Arte Povera e insieme al quale ha fatto due figli, Mat­teo e Agata met­tendo su una fami­glia che ha retto a lungo. Con Boetti, Sau­zeau ha con­di­viso anche più di un lavoro, il libro, ad esem­pio, ini­ziato nel 1970 e pub­bli­cato nel 1977 con la clas­si­fica dei mille fiumi più lun­ghi del mondo: una bella impresa con­den­sare in un volume migliaia di chi­lo­me­tri di acqua che scorre! A Boetti Sau­zeau ha dedi­cato più di uno stu­dio. Gli ultimi anni l’hanno vista impe­gnata, in col­la­bo­ra­zione con la seconda moglie dell’artista, nella pub­bli­ca­zione del cata­logo gene­rale delle opere di Boetti. A Sau­zeau spet­tava il com­pito di coor­di­nare il lavoro scien­ti­fico e il suo sapiente ade­rire al dato ogget­tivo e la sua capa­cità di scarto rispetto alle norme le ha per­messo, ancora una volta, di con­se­gnare un lavoro corag­gioso e innovativo.

Segnaliamo il video dell’intervista a Luisa Muraro di UnaTalks

Prendere la parola in pubblico o tacere. Qual è il senso di una o dell’altra decisione?

Risponde Luisa Muraro, filosofa, scrittrice e autrice di numerose opere sul tema del femminismo e della storia della donna. Possiamo riflettere sul perché una donna decida di parlare o di rimanere in silenzio, ma fondamentale è che nessuna rinunci ad esprimere se stessa e ad esercitare la propria autorità attraverso la presenza, il pensiero – e anche la parola – perché “esiste una differenza femminile che deve parlare. Non è un contenuto preciso, è l’originalità di un’esperienza di donna”.

di Franca Fortunato

FINALMENTE, dopo aver sentito parlare tanto e letto qualche commento anche su questo giornale, venerdì sera ho visto il film di Francesco Munzi “Anime nere”. Sono d’accordo con Annarosa Macrì che “un film” “come un libro” “ non è fatto per i critici, ma per gli spettatori” e le spettatrici. Ed è come una di queste che voglio qui esprimere il mio pensiero e le mie riflessioni. Il film per quanto mi riguarda l’ho trovato molto buono ma poco attuale. Buono perché ti porta dentro una famiglia mafiosa tradizionale, ti fa vedere, più di tanti libri e analisi antropologiche e sociologiche, come la ‘ndrangheta sia un’organizzazione maschile patriarcale, dove sono gli uomini i protagonisti, la mente, gli organizzatori non solo degli “affari” ma anche delle regole, delle leggi con cui governano la famiglia mafiosa dove ogni donna e ogni uomo ha un suo posto fisso. Eloquente la prima mezzora del film in cui ad occupare tutta la scena sono solo uomini, impegnati a portare avanti i loro “affari” di trafficanti di droga e imprenditori, nella città che è il cuore della finanza e del capitalismo italiano, Milano, senza aver reciso i legami con la famiglia e il luogo d’ origine, Africo. Milano è la stessa città dove la famiglia mafiosa dei Cosco ha ammazzato la testimone di giustizia Lea Garofalo e dove riposano i suoi resti. Il film nel narrare la storia di una delle tante famiglie mafiose calabresi i cui protagonisti, i fratelli Luciano, Luigi e Rocco, magistralmente interpretati da Fabrizio Ferracana, Marco Leonardi, Peppino Mazzotta, che pure fanno scelte di vita diverse dopo l’ammazzamento del padre, sono uomini di una ‘ndrangheta che non conosce, non fa i conti con le donne che abbandonano la famiglia in nome della propria libertà e di quella delle loro figlie e figli. Non c’è nel film nessuna Giuseppina Pesce, nessuna Maria Concetta Cacciolla, nessuna Lea Garofalo o Denise, nessuna Tina Buccafusca, ma solo donne, madri, sorelle, figlie, imbalsamate, stereotipate in figure immutabili, invisibili il cui compito è solo quello di “amare”, servire i propri uomini, ascoltare, tacere, fare finta di non sapere e piangere il marito, il fratello ammazzato in attesa del prossimo. La famiglia di ‘ndrangheta, per fortuna o per sfortuna, non è più una realtà fissa, immutabile, dopo le scelte di quelle donne coraggiose di cui il film non dà conto. Mette in scena, invece, l’idea tutta maschile e androcentrica che il riscatto dei mafiosi – qualcuno dice della Calabria – non può non venire che dai soli uomini, da un solo uomo, Luciano che da dentro la famiglia uccide chi, come il fratello Rocco, rappresenta la continuazione di quella cultura mafiosa fatta di vendette e guerre tra famiglie. Quasi per dire che per gli uomini, dopo aver ucciso i padri, non ci può essere, in nessuna realtà politica o sociale, un “nuovo” inizio senza un fratricidio, reale o simbolico. Finché le donne saranno viste come accessori, dalla ’ndrangheta e dai “professionisti” dell’ anti ‘ndrangheta, dall’ arte e dall’antropologia, continuerà a sfuggire a costoro la realtà profonda di una Calabria che è già cambiata, che sta cambiando anche la storia della ‘ndrangheta, grazie alle donne. E ci sarà sempre chi tra loro continuerà a rivendicare ed auspicare quello che già c’è, il “normale”, e che non è capace di vedere e raccontare, fissato com’è nell’idea che ogni riscatto è da venire per opera degli uomini, senza o indipendentemente dalle donne, come racconta anche il film. Se l’arte e l’antropologia – come sostiene Vito Teti – non colgono le novità e non indicano prospettive sono sterile. Non c’è prospettiva per la Calabria se non si riconosce quello che già c’è e che, cambiando nel profondo questa terra, aspetta solo di essere visto e raccontato dai più. Luciano, non immune da quella cultura da cui vuole tenersi fuori , quando davanti ai carabinieri osserva una delle regole più ferree della ‘ndrangheta, l’omertà, come fanno e devono fare le donne della famiglia, non è la speranza, né la strada per il riscatto della Calabria. Non solo e non tanto perché è un personaggio totalmente inventato, dentro la ‘ndrangheta non esiste a tutt’oggi uno simile a lui, ma essenzialmente perché non mette in discussione il suo rapporto con le donne della famiglia. Nessun riscatto è possibile senza la libertà femminile. Non si può affidare il futuro della Calabria a personaggi da romanzo e ignorare, invece, donne in carne ed ossa che, a duro prezzo, hanno già aperto in questa terra una strada di riscatto per sé e per tutte/i noi. Luciano, come i suoi fratelli, questo non lo sa, come dimostrano di non saperlo neppure il regista e il produttore. Un film buono, ripeto, con attori splenditi, bravissimi, ma che non dà conto della Calabria di oggi, di quel cambiamento da cui solo può nascere la speranza per questa terra ed aprire nuove prospettive.

IL QUOTIDIANO DEL SUD IL 23.09.2014

www.donneteatrodiritti.org
PACTA . dei Teatri – Teatro Oscar via lattanzio 58 – 20137 milano

Il Progetto DtD, DonneTeatroDiritti, 2014/2015 giunge al suo sesto anno per contrastare il deserto morale, o anche ‘deserto delle relazioni’, causa prima di atti di sopraffazione e violenza nei confronti delle donne. Il progetto DtD nasce dalla speranza concreta di cambiare il futuro di bambini, donne e soggetti cosiddetti ‘altri’ di tanti Paesi, interrompendo il legame esistente tra ignoranza, ingiustizia e povertà. È soprattutto alle nuove generazioni che ci rivolgiamo, affinchè tutto il materiale proposto (spettacoli, film, documentari, dibattiti) costituisca uno strumento di conoscenza. Anzi di più, un insegnamento non solo finalizzato al riconoscimento che a ogni nostro diritto corrisponde il diritto dell’altro che per noi diventa quindi dovere. Il Progetto dà rilievo a quelle sensibilità di donne, abili mani e menti trasgressive, che fanno dell’arte il proprio strumento di rivolta contro il Potere.

PROGRAMMA
Al Teatro OSCAR parliamo di donne spronate dal loro inconscio in quanto incapaci di lottare contro il proprio ‘sovrano’ (IL COMPLESSO DI ISMENE 23-26 ottobre 2014), di donne che sfidano la modernità vivendo guerre e passioni fino ai limiti estremi e indagando l’indicibilità dellinguaggio (LA BESTIA NELLA GIUNGLA 14/16/18 novembre 2014), di donne di poterecome le regine Maria Stuarda di Scozia e Elisabetta d’Inghilterra (LE REGINE. ELISABETTA VERSUS MARIA STUARDA – 3-14 dicembre 2014), di prostitute vittime o mangiatrici di uomini ma che in ogni epoca e in ogni cultura assumono forme diverse (DONNE DONNINE DONNACCE – 4-8 marzo 2015). Incontri, letture e proiezioni, organizzati in stretta collaborazione fra le diverse associazioni partner del progetto, avranno luogo in concomitanza con gli spettacoli per incrementare lo scambio di conoscenze e stimolare il dibattito.www.donneteatrodiritti.org

di Luisa Muraro

Ancora una volta, papa Francesco ha il dono di sorprenderci. Di una differenza femminile nell’esperienza religiosa (ossia, del Dio delle donne) si è parlato e si parla, positivamente: è una ricchezza, nessuno ne dubita. C’è anche una differenza maschile e l’abbiamo sentita affiorare nel linguaggio del papa.

Le sue parole sull’anima che è anche una donna, si prestano a essere commentate in più modi. Scrive il poeta Rilke: “E al Tuo cospetto la mia anima è una donna / simile a Ruth, la nuora di Noemi”. La stessa formula è stata scelta da una grande studiosa dell’Islam, Annemarie Schimmel, per introdurci alla mistica sufi (La mia anima è una donna. Il femminile nell’Islam, ECIG, Genova 1998). Le donne c’entrano ma siamo in presenza di un’esperienza squisitamente maschile.

Il commento di Vito Mancuso alle parole di papa Francesco (sulla Repubblica 16 sett.) segue il percorso della riflessione filosofica. E termina con un invito perché la gerarchia cattolica sia coerente e smetta di tenere il monopolio delle funzioni religiose. Trovo che l’invito e il commento siano giusti, tranne che in un punto. È il punto in cui Mancuso scrive: “Se non si è in grado di mostrare il fenomeno fisico per esprimere il quale è sorto il concetto di anima, tale concetto risulta nulla più che un mitico retaggio del passato”. Non c’è bisogno di un simile criterio di realtà né di disprezzare i miti del passato. L’interessante ragionamento di Vito Mancuso che accosta vita-relazioni-donne, non ci perde nulla, salvo la pretesa di una costruzione solo logica. C’è della poesia nelle parole del papa, ma anche in quelle di Mancuso, e ciò non le fa meno vere. Le fa semmai più rivelatrici: parlano di una mossa non rara sebbene spesso occultata, da parte maschile, che è di spostarsi verso l’altro che è donna per avvicinarsi all’Altro con la A maiuscola.

(Luisa Muraro, www.libreriadelledonne.it, 19 settembre 2014)

Milano, Libreria delle donne, 11 marzo 2014

di Margarita Borja

La voce della Libreria delle Donne risuona da decenni in altri spazi del femminismo contemporaneo. Il libro collettivo Non credere di avere dei diritti dell’87 e L’ordine simbolico della madre di Luisa Muraro fanno parte della bibliografia fondamentale e di molte riflessioni del femminismo, e della memoria della mia generazione all’inizio della democratizzazione in Spagna, quando avevamo l’urgenza di guardare e interpretare la teoria e la realtà in un modo nuovo. Per questo è un onore per me essere ricevuta qui e vi ringrazio di diffondere così tanti libri di donne e di gestire questo interessante luogo d’incontro. Grazie a Clara Jourdan e ad Ana Domínguez di aver gettato un ponte con la Librería Mujeres y Compañía di Madrid, il cui primo risultato è stata la partecipazione di Ombretta De Biase al nostro Encuentro de mujeres en las artes escénicas en el Festival Iberoamericano de teatro, FIT de CÁDIZ (Incontro delle donne delle arti teatrali al Festival Iberoamericano del teatro). Lì ho scoperto che il suo testo drammatico sulle beghine coincideva nell’impianto biografico-narrativo con quello della prima scena dell’opera di cui sto per parlarvi. Grazie anche a Francesca Mantura, senza la quale non avrei il piacere di essere qui oggi, per la sua generosa decisione di tradurre l’opera, un testo teatrale scritto insieme da Diana Raznovich e da me, e l’intero libro che la contiene, nato successivamente. Chiara Turozzi della casa editrice L’Iguana sta preparandone l’edizione italiana, che vedrà la luce a Verona alla fine del 2014.

Mi riferirò a Olympe de Gouges come a una nostra contemporanea, perché il recupero della sua storia e dei suoi scritti nel bicentenario della Rivoluzione Francese, nel 1989, ha innescato una serie di rinascite della sua figura e insieme della sua visione profetica.

Il libro Olimpia de Gouges o la pasión de existir («Olympe de Gouge o la passione di esistere») ruota in modo poliedrico intorno alla messa in scena che ho diretto e coprodotto in una Buenos Aires scossa dalle proteste cittadine post-corralito[1], che rievocavano la Rivoluzione francese, fortemente influente nel continente americano e in particolare in Argentina. Un contesto propizio per creare una vigorosa poetica scenica intorno alla “mia eroina favorita”, espressione che riprendo dalla sua biografia spagnola Oliva Blanco Corujo, il cui rigoroso lavoro di ricerca e bibliografia occupano la parte finale del libro.

Abbiamo cercato di costruire il personaggio di Olympe de Gouges come agente destabilizzatore dell’ordine dato e soggetto mutante, che fa mutare la società con la frattura che le sue azioni producono, secondo la definizione di Gilles Deleuze. Oltre a impersonare se stessa a la sua posizione politica, Olimpia doveva mutare in scena, come uno specchio di situazioni vissute da donne di ogni epoca, compresa la società globalizzata di oggi. Per elaborare il personaggio, chiesi dapprima il contributo drammaturgico di Diana Raznovich, e in seguito riunimmo un’équipe creativa di alto livello che mi permise di osare e di innovare la regia, all’interno di schemi frammentari e diacritici che esploro in ogni montaggio. Dobbiamo a Diana monologhi e dialoghi di grande potenza e spessore, indispensabili per fare di Olimpia l’essere parlante e pieno di energia solare che cercavamo, e sempre a Diana dobbiamo la scelta e l’approfondimento di controparti indispensabili nel dialogo, come la Padrona di casa e Robespierre. Da parte mia, sdoppiando i personaggi creando rimandi tra un’epoca storica e l’altra e componendo ritmi di scena caleidoscopici, ho potuto creare un gioco di trasformazioni in certi passaggi tumultuosi della trama impossibile da rendere con una lunga successione di eventi; la parte che ho intitolato Operetta de la Cruel Louisette («Operetta di Louisette la Crudele»), per esempio. Curiosamente, questa dinamica sperimentale ha favorito altrettanti giochi di analisi nel resto dei saggi che compongono il libro.

Gli aspetti del carattere di Olimpia che la designano come agente destabilizzatore dell’ordine dato sono, a grandi tratti: personalità forte, lucidità nel mettere a fuoco la condizione sua e di altre come figlia naturale e come donna priva di diritti di cittadinanza, temperamento isterico capace di interpellare e mettere in scena e, da ultimo, genio creativo al servizio di un profondo senso di giustizia e di un pensiero politico avanzato e reso ardito da una visione utopica positiva che, tra l’altro, anticipa visionariamente l’“uomo nuovo” nel suo amico scrittore Mercier.

Olimpia fu protagonista di molteplici atti di audacia. Il suo potente desiderio fu strumento di azioni di rottura. Fuggì dalla cittadina di Montauban, dove le era permesso solo di essere figlia di una donna che l’aveva avuta fuori dal matrimonio e di un macellaio che le faceva da padre o, poi, una donna sposata e una giovane vedova, con tutte le limitazioni del caso. Inventarsi il nome con cui oggi la conosciamo fu il suo primo e decisivo passo per spianarsi la strada verso la corte a Parigi. Su un registro più personale, in Olimpia ho scoperto l’antidoto contro la naturalizzazione isterica che colpì mia madre durante i rigori della dittatura franchista, e come lei molte altre donne della sua generazione. I venti di libertà soffiavano al di sopra delle frontiere, ma l’onnipresenza del patriarcato repressivo nelle loro vite, etichettandole come isteriche, le consegnava a un fato definitivo. La presunta patologia, diagnosticata arbitrariamente in privato, si traduceva in discredito e incapacità, intralciando e intercettando qualunque loro presa d’iniziativa. Nel testo accenno alle teorie rivelatrici di Elaine Showalter e di Emilce Dio Bleichmar su ciò che quest’ultima definisce, fin dal titolo del suo libro, «il femminismo spontaneo dell’isteria». Analisi cruciali, che hanno gettato una luce sulla dolorosa confusione che mi aiutò a intravedere l’istinto politico celato in fondo al disturbo narcisista che vedevo nelle donne che mi circondavano nell’infanzia e nell’adolescenza. In realtà, legate com’erano dalla repressione, quella disperata protesta fisica di fronte all’impossibilità di articolarsi in parole era un comune denominatore non solo generazionale. Isteria e femminismo, dice Elaine Showalter, hanno formato un continuum significativo nel nostro divenire.

(traduzione a cura di  Silvia Baratella)

“Olimpia de Gouges, nuestra contemporánea”

sinopsis, Margarita Borja

La Librería delle Done resuena en otros espacios del feminismo contemporáneo desde hace décadas. El libro colectivo Non credere di avere dei diritti del 87 y El orden simbólico de la madre de Luisa Muraro se incluyen en la bibliografía básica de muchas reflexiones feministas y existen en la memoria de mi generación a comienzos de la democracia española, cuando era urgente mirar e interpretar teoría y realidad de otro modo. Por ello, es un honor ser recibida aquí y agradezco a quienes hacéis posible la difusión de innumerables libros de mujeres y la gestión de este interesante espacio de encuentro. Gracias a Clara Jourdan y a Ana Domínguez por tender un puente desde la Librería Mujeres y Cia de Madrid, cuyo inmediato resultado fue el viaje de Ombretta de Biase a nuestro Encuentro de mujeres en las artes escénicas en el Festival Iberoamericano de teatro, FIT de CÁDIZ. Allí descubrí que su texto dramático sobre las Beguinas coincidía en el planteamiento biográfico-narrativo con el de la primera escena de la obra a la que voy a referirme. Gracias asimismo a Francesca Mantura, sin cuya generosa decisión de traducir la obra, una dramaturgia conjunta de Diana Raznovich y mía, y el libro posterior que la contiene, cuya publicación italiana prepara Chiara Turozzi en editorial L´Iguana, yo no tendría el gusto de estar aquí, anticipando contenidos y líneas argumentales de la edición que verá la luz en Verona, al final de 2014.

Me referiré a Olimpia de Gouges como nuestra contemporánea porque la recuperación de su existencia y escritos en el Bicentenario de la Revolución Francesa, en 1989, ha generado una sucesión de renacimientos de su figura acorde con su profética visión.

El libro Olimpia de Gouges o la pasión de existir gira de manera poliédrica alrededor de la puesta en escena que dirigí y coproduje en una Buenos Aires agitada por la protesta ciudadana en el postcorralito y evocadora de la Revolución Francesa, de amplia huella en el continente americano y en Argentina en particular. Un ambiente propicio para construirle una vigorosa poética escénica a “mi heroína favorita”, expresión que adopto de su biógrafa en España Oliva Blanco Corujo, cuyo riguroso trabajo de investigación y bibliografía completa la parte final del libro.

Tratamos de construir el personaje de Olimpia de Gouges como agente de debilitación de lo establecido y sujeto mutante que hace mutar la sociedad con la fisura que producen sus acciones, definido por Gilles Deleuze. Más allá de encarnar la expresión de sí misma y su posición política, Olimpia debía mutar en escena como espejo de situaciones vividas por mujeres de todas las épocas, incluida la sociedad global de hoy. Para elaborar el personaje solicité a Diana Raznovich la primera contribución dramatúrgica y reunimos luego un equipo creativo de gran solvencia que me permitió arriesgar e innovar en la dirección escénica, dentro de esquemas fragmentarios y diacríticos que exploro en cada montaje. A Diana debemos escenas de monólogo y diálogo de gran potencia y contenido, indispensables para convertir a Olimpia en el ser verbal de energía solar que buscábamos, así como la elección o profundización de contrafiguras dialogantes indispensables, La Dueña y Robespierre. Por mi parte, desdoblar personajes creando guiños de un tiempo histórico a otro y componer ritmos escénicos en calidoscopio me proporcionó un juego de transformaciones en ciertas narrativas tumultuosas del relato que habría sido imposible producir con un gran elenco; la parte que denominé Operetta de la Cruel Louisette, por ejemplo. Curiosamente, esa dinámica experimental ha propiciado otros juegos de análisis en el resto de ensayos que componen el libro.

Las facetas de carácter que dibujan a Olimpia como agente de debilitación de lo establecido, a grandes rasgos son: fuerte personalidad, lucidez para distinguir su situación y la de otras como hija natural y mujer privada de derechos de ciudadanía, temperamento histérico capaz de interpelar y escenificar, y, por último, genio creador al servicio de un profundo sentido de la justicia y un pensamiento político avanzado y enardecido por una visión utópica positiva que, entre otras cosas, anticipa de manera visionaria al “hombre nuevo” en su amigo el escritor Mercier.

Olimpia protagonizó múltiples atrevimientos. Su potente deseo fue vehículo de acciones de ruptura. Escapó de la pequeña ciudad de Montauban donde solo se le permitía vivir como la hija de una madre que la engendró fuera del matrimonio y de un carnicero que ejercía como padre adoptivo, o como mujer casada o viuda joven, constreñida por tal condición. Inventar el nombre por el que la conocemos hoy fue su primer y definitivo paso para allanar el camino hacia la corte en París. En el registro más personal, descubrí en Olimpia el antídoto contra la naturalización histérica que atrapó a mi madre durante el rigor dictatorial franquista y a gran número de mujeres de su generación. Los vientos de libertad corrían ya por encima de las fronteras, pero la omnipresencia del patriarcado represivo en sus vidas etiquetándolas histéricas las abocaba a un fatum definitivo. La supuesta patología, diagnosticada arbitrariamente en privado, se traducía en descrédito e incapacidad, lastrando e interceptando cualquiera de sus iniciativas emprendedoras. Aludo, en la edición, a las reveladoras teorías de Elaine Showalter y Emilce Dio Bleichmar sobre lo que la última define ya en el título de su libro como “El feminismo espontáneo de la histeria”. Análisis cruciales, luz sobre mi dolorosa confusión que me permitió entrever el instinto político oculto al fondo de tanto disturbio narcisista, observado en las que rodearon mi infancia y adolescencia. En realidad, atadas como estaban a la represión, esa protesta corporal desesperada frente a la imposibilidad de articularse en palabras era un común denominador, no solo generacional. Histeria y feminismo, dice E. Showlater, han formado un significativo continuum en nuestro devenir.

En el libro que comento, las filólogas ponen la lente de aumento sobre puntos concretos, textuales o semióticos, de la obra. Dora Sales descubre el proceso liberador hacia el affidamento, tematizado por Lia Cigarini, como vertebrador de la escena en que Olimpia le dice a La Dueña del apartamento que escucha los golpes que le proporciona el marido en el piso superior, antes de lanzarle una batería de preguntas incisivas. La Dueña muta entonces en Revolucionaria, en la voz épica dueña del relato de la Marcha de las Mujeres a Versalles que marcó el inicio de la Revolución. Cristina Escofet encuentra paralelismos interesantes entre las personalidades de Eva Perón y Olimpia observando la característica común: ambas son hijas naturales de hombres influyentes que recuperan apasionadamente el lugar social que debía pertenecerles. Otras estudiosas, Jara Martínez Valderas, Ángeles Grande, Laura Borrás, descubren las bases filosóficas y estéticas que tejen la composición semiótica en escena y analizan las metáforas escénicas como subtextos y códigos que el público ha de desentrañar. Diana Raznovich ofrece una reflexión de calado respecto de su proceso de construcción de personajes previos a la escritura. Y, por último, en el libro en su conjunto, la pasión creadora de Olimpia aparece como el eje y la regla de oro que a ella permitió trascenderse y trascender, y a nosotras reconocerla como referente de gran valor.

[1] Il corralito (“box per bebè”) è il nome dato dalla stampa alle misure per limitare l’uso del denaro contante che il governo argentino assunse nel 2001, dopo il default dello Stato. Cittadine e cittadini si trovarono da un giorno all’altro, senza preavviso, con i conti correnti e i prelievi bancomat bloccati e senza il denaro per le spese quotidiane. Ne nacque un movimento di protesta di enormi dimensioni (N.d.T.).

ancora sino al 5 ottobre 2014
Spazio Oberdan  Viale Vittorio Veneto 2 Milano
Orari: 10-19.30 (martedì e giovedì fino alle 22) – chiuso il lunedì
Ingresso: Libero

Frammenti scultorei, immagini, suoni, odori, video, fotografie sono gli oggetti che compongono le 6 installazioni in cui si puo’ interagire con una realta’ spesso dimenticata: quella detentiva.

a cura di Marco Testa

Per la prima volta in Italia un’artista, Paola Michela Mineo, svela il mondo della detenzione attenuata dell’ICAM, in una mostra in cui l’arte racconta la dignità della condizione di madre in un modo nuovo di concepire la rieducazione.

Da venerdì 4 luglio a domenica 5 ottobre 2014 si terrà presso lo Spazio Oberdan di Milano la mostra d’arte contemporanea Impronte Sfiorate – Paola Michela Mineo e vite custodite all’I.C.A.M. a cura di Marco Testa. L’esposizione è promossa dalla Provincia di Milano e patrocinata dal Ministero della Giustizia.

La mostra Impronte Sfiorate presenta sei grandi installazioni realizzate da Paola Michela Mineo che costituiscono il risultato finale di un progetto – durato due anni – sviluppato dall’artista all’interno dell’ICAM, il primo Istituto realizzato in Europa per la custodia attenuata per madri con prole. Nato nel 2006 – in base ad un accordo tra Ministero della Giustizia, Regione Lombardia, Provincia e Comune di Milano – con l’obiettivo di restituire un’infanzia “normale” a quei bambini con una madre detenuta, l’ICAM oggi è un modello in espansione su tutto il territorio nazionale. Paola Mineo ha lavorato in questo contesto particolare, dedicandosi alle madri detenute, coinvolgendone alcune in un’esperienza intensa, diretta, in cui l’arte – e l’interazione personale – ha impresso un cambiamento importante, quasi “determinante”, del loro status: da detenute in regime speciale a vere co-protagoniste di una performance d’arte contemporanea, lavorando su se stesse, insieme ai loro educatori, e dando vita ad un circuito virtuoso di naturale empatia.

Nella mostra Impronte Sfiorate l’opera di Paola Michela Mineo non è solo il risultato finale, quello visibile, scultoreo, ridotto a reliquia contemporanea del processo creativo che lo rappresenta. Nella mostra Impronte Sfiorate, Paola Michela Mineo si spoglia del proprio ruolo di artista e ricostruisce la memoria stessa di quel processo, restituendola attraverso i residui che l’hanno generata. Piccoli frammenti scultorei, immagini, suoni, odori, video, fotografie sono gli oggetti che compongono le sei installazioni, nello spazio Oberdan, in cui il pubblico potrà conoscere e interagire con una realtà sconosciuta e spesso dimenticata: quella detentiva.

L’arte contemporanea si fa, così, medium di conoscenza e di comunicazione di una realtà sociale particolare. La percezione di un vissuto altrui, reso in una sorta di condivisione sensoriale, cresce, si dilata e muta nella coscienza degli spettatori. Vite fatte di sbagli e contraddizioni, di attese e di speranze generano sogni che spesso non coincidono con la realtà quotidiana. La condizione di prigioniero, in senso lato, spinge a considerarsi parte di quel mondo che in fondo non è poi così distante in cui è facile ritrovare la “normale” quotidianità umana.

“La cultura, spesso incrocia e ‘interseca’ la realtà e i suoi anfratti più remoti, con modalità a cui normalmente non siamo portati a pensare. – sottolineano Novo Umberto Maerna, Vice Presidente e Assessore alla Cultura della Provincia di Milano e Massimo Pagani, Assessore alla Famiglia e Politiche Sociali – Ne è la dimostrazione evidente la mostra “Impronte Sfiorate”, che presenta sei grandi installazioni realizzate da Paola Michela Mineo nell’ambito di un progetto sviluppato dall’artista all’interno dell’ICAM di Milano, il primo Istituto realizzato in Europa per la custodia attenuata per madri con prole. L’arte contemporanea – concludono Maerna e Pagani – si fa, così, strumento di conoscenza e di comunicazione di una realtà sociale particolare.”

La ricerca artistica di Paola Michela Mineo trae ispirazione dall’Arte relazionale e all’Arte-terapia, distinguendosene però nella forma e nella metodologia. L’artista da anni ha elaborato touchArt, una forma artistica con la quale indaga i meandri relazionali in cui la sua scultura, plasmata sul corpo del modello, diviene seconda pelle e al tempo stesso corazza; si fa calco, ovvero documento fisico, di un passaggio, la cui memoria assume forme che rammentano porzioni di sculture classiche, quasi fossero frammenti archeologici o impronte di un ricordo.

Nel curriculum dell’artista, il primo lavoro sviluppato completamente con questo nuovo linguaggio multidisciplinare è stato l’installazione “Sudario”, selezionata al Premio Arte Laguna (1°fase 2012) e poi portata in mostra da Marco Testa al Museo Laboratorio di Arte Contemporanea (MLAC) dell’Università Sapienza di Roma nel 2013 nella mostra Voci dell’arte contemporanea a Roma.

Informazioni: Provincia di Milano/Spazio Oberdan, tel. 02 7740.6302
www.provincia.milano.it/cultura
website: www.paolamichelamineo.com/improntesfiorate

Contatti per la stampa:
PCM Studio, Milano | press@paolamanfredi.com
paola.manfredi@paolamanfredi.com | Mob. +39 335 54 55 539

Provincia di Milano/Cultura, tel.02 7740.6358/6359,
p.merisio@provincia.milano.it, m.piccardi@provincia.milano.it
Addetto stampa Assessore, tel. 02/7740.6386 – f.provera@provincia.milano.it

Anteprima per la stampa: giovedì 3 luglio ore 11.30
Inaugurazione: giovedì 3 luglio 2014 ore 18.30

Sino al 27 settembre

Studio Guastalla  Milano  via Senato, 24

Comunicato stampa

La mostra presenta circa 20 Volumi di Dadamaino, realizzati tra il 1958 e il 1961. Con questo termine, che identifica le opere prodotte da Dadamaino a cavallo della fine degli anni Cinquanta e dell’inizio degli anni Sessanta del Novecento (le prime che la fanno conoscere al pubblico, e con le quali passa in modo improvviso dal figurativo alla sperimentazione sul supporto), l’artista chiarisce fin dal nome il suo intento. Che è quello di lavorare sulla tridimensionalità dello spazio fisico, sull’estensione: non tagli o buchi, come nel lavoro che Fontana porta avanti da almeno dieci anni, o superfici, come nell’opera di Castellani, ma figure, quasi sempre ovoidali, ritagliate a mano sulla tela, dai contorni imprecisi, che svuotano la tela fino a rivelarne il telaio, trasformando il quadro in struttura pura, in cui il vuoto ha più spazio della tela. “1. Posizione postinformale e protodadaista, con distruzione critica della tela, 1958-1959” scrive Dadamaino nella note sintetiche di una sinossi con cui si presenta.

“Naturalmente Fontana ha avuto un ruolo determinante nella mia pittura. Se non fosse stato Fontana a perforare la tela, probabilmente non avrei osato farlo neppure io. Sottrarre la materia, al punto da rendere visibili anche parti della tela (del telaio) per eliminare ogni elemento materiale, per privarla d’ogni retorica e ritornare così alla tabula rasa, alla purezza”. È l’artista stessa a dichiarare esplicitamente a chi deve il coraggio di rompere con la pittura, che non è solo la figurazione, ma anche il matericismo dell’informale, degli epigoni dell’espressionismo astratto americano, con il suo nucleo di tragicità interiore. È una fuga dalla materialità verso l’immaterialità, la sottrazione, una tabula rasa per ricominciare su nuove basi. “Così sulle tele pulite operai grandi squarci ovoidali, a volte uno solo, grande come tutto il quadro. Dopo questo atto liberatorio rimasi perplessa, sul come proseguire. Il come lo trovai interessandomi al futurismo…I meravigliosi insegnamenti futuristi, chissà perché dimenticati, erano i più vivi e veri che si potessero raccogliere. Pensando a ciò guardai i miei lavori. Dietro i grandi buchi vedevo un muro pieno di luci e ombre che vibravano e si muovevano. Ecco la cosa da cercare e da seguire. L’arte era stata sinora statica, tranne che per pochi pionieri, bisognava farla ridiventare dinamica e con mezzi conseguenti alle più recenti esperienze tecnico scientifiche, stabilito che si può fare dell’arte con qualsiasi mezzo”.

E tuttavia, nonostante il debito riconosciuto, i volumi di Dadamaino sono altra cosa dai tagli e dai buchi, non solo nelle dimensioni e nell’estensione, ma anche nell’eliminazione di qualsiasi aspetto pittorico, cromatico, sensibile, scegliendo invece un’assenza di colore, il nero o il bianco, che diventa sottrazione totale, assenza.

La mostra prosegue con opere del ’60, l’anno di una prima svolta nel lavoro sui “volumi”: non più una o due forme irregolari organizzate sulla tela in modo apparentemente casuale, ma una serie di cerchi precisi, probabilmente ottenuti con uno stampo appoggiato alla tela, ripartiti in modo omogeneo, con rigore formale, geometrico, come a rifiutare qualsiasi casualità, qualsiasi riferimento all’informale.

E subito dopo, sempre nel ’60, un anno di svolta, Dadamaino trova nuovi sviluppi alla sua ricerca sulla geometria in un materiale nuovo, la plastica, e in particolare nei “fogli” di rhodoid delle tende da doccia, che sovrappone uno sull’altro a tre o a quattro, montati su un un telaio di carta millimetrata. Sono i volumi a moduli sfasati, in cui i buchi sembrano muoversi, vibrare dinamicamente, animare la trasparenza del foglio. È un movimento ottico interiore, un gioco di illusioni, un battito tachicardico, realizzato con un materiale che rivela potenzialità inedite: “mentre operavo il montaggio, bastava il calore della mano a sfasare la tramatura e a creare una serie di immagini sovrapposte ma sfumate”. È la rottura definitiva con il “mondo antico” del pittore.