La poetessa Fadwa Tuqan ha scelto i versi per smascherare sia la mentalità patriarcale della sua società che la devastazione imposta dall’occupazione israeliana, l’umiliazione, la spersonalizzazione. E poi la lotta.

di Cecilia D’Abrosca

Roma, 12 ottobre 2015, Nena News – Fadwa Tuqan, donna, poetessa,palestinese. L’essenza è contenuta e racchiusa nelle parole che la definiscono. Figura determinante e pioneristica nell’ambito della letteratura internazionale, femminile, palestinese,di resistenza e di conservazione dell’identità culturale di un popolo.

Fadwa Tuqan è una donna che sceglie come forma di espressione la poesia; attitudine che determinerà ed orienterà il significato della suo impegno politico ed il suo percorso di affermazione come donna, in relazione al contesto alto borghese, conservatore, che preclude alle donne appartenenti alle famiglie più in vista l’esistenza di una vita al di fuori di quella familiare. In Palestina fare poesia non è solo una scelta, nè una modalità della produzione letteraria, ma è l’urlo dei resistenti. Le vicende storico-politiche entrano in commistione con la letteratura e vi si fondono, sprigionandosi in un linguaggio doloroso teso ad esprimere il volto dell’occupazione israelianae dei sentimenti che ne scaturiscono, quali l’umiliazione, la soggezione, la spersonalizzazione.

La poesia è simbolo della lotta all’autoaffermazione: pochi sono i palestinesi impegnati nella denuncia delle condizioni di vita nei Territori Occupati, o gli appartenenti a movimenti o organizzazioni politiche che, non scelgano la poesia, il verso, per denunciare e creare identificazione, nonché rafforzare il vincolo identitario tra i membri della comunità. Poesia come veicolo di significato condiviso socialmente e storicamente. Poesia di rivolta, di resistenza, di liberazione, temi che convogliano attorno ad un unico lemma: Palestina.

Essere “poeti palestinesi” significa realizzare la cronistoria del proprio popolo, raccontare eventi, fissare momenti o date spartiacque che restituiscano, in maniera inalterata nel tempo,l’animo combattivo e resistente dei palestinesi, la loro volontà di reazione e il desiderio di libertà; fortemente voluta perché assente .Il poeta è colui il quale riempie di significato concetti che appaiono in quella realtà, più che altrove, privi di senso, mi riferisco al tempo, all’uguaglianza, all’identità. Nel caso del contesto palestinese il confronto è con una “poesia critica”, che assume diverse denominazioni, “poesia sociale”, “poesia della coscienza”, che ha come tratto peculiare quello di non rappresentare un’evasione dalla realtà, ma di intervenire su di essa e trasformarla. Si comprende che, gli autori di questo tipo di produzione poetica siano molte volte censurati, disprezzati, perseguitati dal potere dominante,poiché non si tratta di un tipo di poesia “neutrale” ottenuta dal compromesso etico dei suoi autori.

La storia della Palestina s’intreccia alla letteratura e alla poesia. In seguito alla guerra Arabo-Israeliana del 1948 – Nakba, catastrofe – si assiste alla distruzione delle infrastrutture della società palestinese, nonché all’eliminazione di oltre 480 villaggi. Ciò ha prodotto un numero esorbitante di profughi che hanno trovato rifugio nei paesi arabi di confine. Migliaia hanno perso il diritto di cittadinanza, i loro beni e le loro abitazioni. Successivamente, con la guerra del 1967, i territori della Cisgiordania e Gaza, sono stati occupati militarmente da Israele. Quale strategia di risposta ed interazione elaborano le donne palestinesi in una realtà di sopraffazione, umiliazione, disparità di trattamento e violenza? In che modo concorrono al processo di formazione culturale ed identitario della Palestina? Attraverso quali forme denunciano l’occupazione, incitano alla resistenza, fissano la memoria del loro popolo, celebrano i martiri? Come raccolgono il dolore ed esprimono l’incessante andare dell’esistenza, protesa tra l’attesa, la perdita, l’ingiustizia, l’usurpazione, il senso di smarrimento, l’incapacità di pianificare la propria vita?

In primo luogo, va detto che, le donne palestinesi tutte, siano esse scrittrici, poetesse e non, da sempre si trovano a fronteggiare due ostacoli alla loro libertà personale: l’occupazione israeliana e la società palestinese. L’ostacolo più frequente da aggirare è la famiglia, la cui mentalità conservatrice ne impedisce la libertà espressiva. E’ questo il caso della poetessa Fadwa Tuqan. Si tratta di una donna che in età precoce assume la consapevolezza di vivere la sua vita tra le mura di casa, prigioniera di un “harem di donne che a 25 anni erano già vecchie. Vecchie giovani donne dai capelli bianchi e dai visi asettici”, questo la spinge ad interiorizzare un forte dolore al quale negli anni darà voce e vita attraverso i suoi componimenti. La segregazione alla quale viene sottoposta dalla famiglia della borghesia medio-alta, composta da diversi intellettuali e personalità politiche, facilita la sedimentazione di un mondo interiore dirompente. Sarà il fratello, Ibrahim Tuqan, brillante poeta palestinese, a salvarla dalla disperazione iniziandola alla poesia.

Come dichiarerà lei stessa negli anni a venire, “l’assenza di una vita sociale e la non partecipazione alla vita pubblica durante l’età giovanile ostacolò l’integrazione nella società della quale era parte. E poiché la conoscenza di sé si completa e definisce in relazione a quella degli altri, si sentiva una donna alla quale era stata negata la possibilità di sviluppare in modo pieno e soddisfacente la propria persona”. Ciò a cui anela è la libertà individuale, la facoltà di poter esprimere se stessa. Sulla base di queste premesse, le sue prime opere poetiche sono incentrate sulla denuncia della condizione femminile e della relativa mancanza di autonomia decisionale. In una seconda fase, le sue poesie rivestono i toni politici di disappunto dell’occupazione israeliana, ma ciò accadrà dopo la sua emancipazione, sancita dal suo trasferimento in Inghilterra, ad Oxford, per conseguire la laurea in letteratura inglese tra il 1962 e il 1964.

La presenza e la rilevanza delle donne palestinesi nel processo di creazione e mantenimento della cultura è massiccia. Esse contribuiscono attivamente a produrre testi letterari e poetici che arricchiscono la letteratura femminile della Resistenza. Il percorso non è stato semplice, in quanto caratterizzato da asperità riconducibili al tessuto sociale di appartenenza. Nonostante questo, lottano con e per la scrittura, nell’ambito di un processo di demolizione identitario messo in atto dal governo britannico prima, dal movimento sionista e dall’occupazione israeliana poi. Chi più delle donne, abituate a soccombere alla volontà patriarcale e maritale nell’ambito di una società immobile, è in grado di testimoniare e farsi portavoce di quegli anni di rovine e annichilimento generati dalla Nakba e spinti fino alla guerra del 1967?

Fadwa Tuqan, la poetessa della Palestina, vive tra il 1917 ed il 2003, tra la Palestina e l’Inghilterra. In quegli anni sarà una delle protagoniste letterarie che attraverserà i quattro distinti periodi in cui la poesia palestinese contemporanea è divisa: il Neo-Classicismo, che coincide con la prima ondata d’ immigrazione ebrea in Palestina all’inizio del Novecento; il Romanticismo, che segue la Dichiarazione Balfour del 1917; la Poesia Nuova, in linea con la Nakba – la disfatta del 1948 – e la Poesia di Resistenza, che si afferma dopo la guerra del 1967. Fadwa Tuqan percorrerà con la sua poesia e per mezzo della sua lotta personale l’intero percorso evolutivo della produzione poetica; ed è per questo motivo che la sua opera è in grado, sapientemente, di illustrare la varietà di contenuti e di stili espressivi della poesia della Palestina.

Nei primi anni del Novecento la nascita del nazionalismo arabo porta alla creazione di università e circoli culturali dove si riuniscono intellettuali, poeti e scrittori che agiscono in vista della diffusione delle idee nazionaliste e dello spirito di ribellione al mandato britannico e al movimento sionista. A Nablus, citta natale di Fadwa Tuqan, nasce quella che è oggi l’Università di Najah che assieme al proprio circolo culturale anima le manifestazioni nazionalistiche. Il movimento nazionalista arabo comincia a coinvolgere anche le donne, aspetto favorito dalla scolarizzazione e dall’apertura delle scuole ad entrambi i sessi. Fadwaè parte attiva di questi movimenti degli anni Sessanta, unendo l’impegno politico alla scrittura. E’ di questi anni la sua prima raccolta di poesie, di genere politico, intitolata al-Lailwa al-Fursan, tradotta con “La notte ed i cavalieri”, edita a Beirut nel 1969. Si tratta di 24 poesie che raccontano la vita dei palestinesi sotto l’occupazione israeliana. La relazione tra occupato ed occupante è descritta in termini di violenza fisica, psicologica e culturale; l’obiettivo era quello di svilire e cancellare una civiltà, attraverso la creazione di nuove mappe, la riscrittura dei libri scolastici secondo la versione israeliana della storia, l’uccisione di molti intellettuali.Particolarmente espressiva è la poesia Ahatamamsubbak al-ttesarih, “Sospiri davanti allo sportello dei permessi”, scritta per illustrare l’umiliazione dei Palestinesi costretti ad attendere per ore in fila il permesso per attraversare il Giordano ed entrare in territorio israeliano (possibilità proibita fino al 1967):

Fermarmi sul ponte

Ahimè! Mendicare, sì, un permesso di attraversata!

Soffocare, perdere il fiato

Nel caldo del mezzodì

Sette ore di attesa

Ahi! Chi ha rotto le ali del tempo?

Chi ha paralizzato le gambe al giorno?

Il caldo mi flagella la fronte

Ed il sudore mi colma gli occhi di sale.

Ahimè! Migliaia di occhi

Sono fissi con calorosa ansia

Allo sportello dei permessi;

sono specchi di angoscia,

titoli di ansia e di pazienza.

Ahimè! Mendicare un permesso!

E la voce di un militante straniero

Scoppia furiosa come uno schiaffo

Sul volto della folla:

«Arabi…Disordine…Cani!…

Tornate indietro

Non venite vicino al cancello!

Indietro!…Cani!…»

Una mano sbatte con rabbia lo sportello dei permessi,

chiudendo ogni possibilità

in fronte alla folla che preme.

Umiliata la mia umanità,

pieno di amarezza il mio cuore

e il mio sangue è tutto veleno e fuco!

«Arabi! Disordine! Cani!»

O santa vendetta del mio popolo offeso!

Ormai ho solo da attendere,

ma il momento giungerà…

il momento della giustizia e della vendetta!

La poesia esprime sentimenti forti, il senso di vendetta vince il dolore. Vi è poi una seconda raccolta di componimenti politici, ala Quimmat al-Dunya Wahida, “Sola sulla cima del mondo”, pubblicata a Beirut nel 1973. In questa raccolta di undici poesie emerge il dolore di fronte all’indifferenza del mondo, ma anche la retorica vuota di cui Fadwa Tuqanaccusa il suo popolo, lamentando che questo sembrasse assuefatto all’occupazione. Finchè nel 1987 scoppia la prima Intifada. I giovani palestinesi combattono lanciando pietre e bruciando copertoni, ma la lotta è impari e il sacrificio umano è spaventoso.

Centinaia di giovani muoiono e il ruolo del poeta muta. Questi, da allora, avrebbe avuto il dovere di offrire un sostegno emotivo ai giovani della Resistenza; spettava alla poesia, d’ora in poi, incitare lo spirito giovanile ed offrirgli un appoggio morale. Ai giovani martiri palestinesi FadwaTuqan dedica la poesia Suhada al-intifadah “I martiri dell’Intifada”. I versi finali recitano:

Sono morti in piedi,

illuminando il cammino scintillanti come stelle,

baciando le labbra della vita.

Si sono alzati di fronte alla morte

Poi sono scomparsi come il sole.

Infine, va menzionata la terza raccolta di poesie politiche Qasa id syasia, “Poesie politiche”. Sono poesie di “liberazione”, finalmente la poetessa si libera dalle reti familiari e sociali e individua il suo ruolo che le varrà la fama di prima poetessa della Palestina. Nena News

di Pina Mandolfo

Mi accade ancora la mattina, rigenerata da un buon sonno e senza essermi guardata allo specchio, di ritornare, per la centesima volta nella mia vita, a progettare “battaglie” con l’illusione di prolungare all’infinito quella giovinezza di “guerriera” che ha segnato la mia vita e quella di molte donne della mia generazione.

Ma qualcosa, non senza malinconia, mi restituisce al tempo. Oggi è la notizia della morte di Chantal Akerman. Morta a 65 anni. Forse suicidio. Come è possibile? A 65 anni? Come se non li avessi anch’io 65 anni. È proprio passato così tanto tempo da quel maggio del 1982 a Catania? Quando, già famosa e molto richiesta, partecipò, con Margarethe von Trotta, con le autrici di Processo per stupro e molte altre donne di cinema ad un “megafestival” di cinema delle donne. Lo organizzavo con la passione, mai sopita, di valorizzare la creatività femminile, quasi a voler mettere in piedi una storia alternativa. Rivedo Chantal deliziosa, eterea, una cerbiatta con, negli occhi, una luce così intensa da suscitare imbarazzo. La ricordo schiva, quasi frastornata dall’energia avida e irriverente che aleggiava nella grande sala cinematografica.

In tutti questi anni, di tanto in tanto, mi sono chiesta che fine avesse fatto. Troppo particolare è stata la sua cinematografia per arrivare alle sale italiane dove, sopratutto per le donne, alla grandezza non corrisponde la fama. Che non avesse più nulla da dirci? Eppure coraggio e determinazione non possono esserle mancate per aver eluso, in tutto il suo cinema, modelli precostituiti ed averne sperimentato di nuovi e rivoluzionari. Certo un cinema non facile il suo, ma di fatto un cinema politico e di fascino, capace di suscitare forti emozioni.

In quel lontano 1982, a Catania, abbiamo visto, forse, le sue opere più significative. Il suo primo lungometraggio Hotel Monterey (1972), una cinepresa-occhio filma corridoi, pareti, porte, camere, e le vite degli ospiti scandite dalla chiusura e apertura delle porte dell’ascensore. Luoghi e persone mute alla vita. Era un ritratto impietoso della vita di una metropoli come New York. Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles» (1975), forse il suo capolavoro, mette in scena il vuoto e l’isolamento nella vita di una donna. Oltre tre ore per narrare le azioni di una casalinga dentro le pareti domestiche e le sue prestazioni sessuali a pagamento. Un grande affresco politico in assenza quasi totale di montaggio, per rendere visibile il rito mortale di questa quotidianità femminile, interrotta da un evento inatteso e per questo terrorizzante. Ancora camera fissa e tempo reali per Je, tu, il, elle (1974), un’opera di grande coraggio espressivo e narrativo. Tre momenti in cui la protagonista dalla solitudine di partenza passa all’ascolto del monologo di un camionista a cui ha chiesto un passaggio e al quale offre anche un servizio erotico per il quale non è necessario neanche fermare il mezzo, fino allo scambio vero e proprio che avviene nel rapporto sessuale con una donna. Qui il registro narrativo cambia totalmente. Akerman mette in scena la propria sessualità femminile, i corpi si muovono liberi nello spazio scenico, il rapporto è dolce, aggressivo, liberatorio, pienamente consumato e pienamente narrato da Akerman con un grande atto di coraggio che non ha eguali. Lo stesso coraggio che la spinse, giovanissima, da Bruxelles a New York alla ricerca del suo “talento”. Proprio la giungla newyorkese fa da sfondo a News from Home (1977), in cui una figlia lontana dalla madre viene raggiunta dalle sue lettere, una sequenza di ammonimenti che le tengono compagnia senza avere, ormai, il potere di trasformarla. È una voce fuori campo tra sgranature della pellicola, fruscii e rumori di fondo o lampi di luce improvvisa. Con Le rendez-vous d’Anna (1978), comincia per la regista belga la prima concessione al cinema cosiddetto “commerciale”. Avere un budget importante per lavorare era ormai improrogabile. È una china pericolosa che vede la perdita di purezza e di fascino nella sua narrazione. Ritroverà il suo metro nel bellissimo Tutta una notte (1982), una miriade di personaggi e pochi tratti in una sola notte.

Dopo questi suoi primi film, giunti a Catania nell’82, con grandi difficoltà e sottotitolati in sala con sistemi ancora pioneristici, nessun distributore ha mai fatto arrivare nelle nostre sale le opere di Akerman.

Sappiamo che le sue opere sono diventate sempre più da grande pubblico, ma non avendole viste non ne possiamo valutare il valore. Un divano a New York con Juliette Binoche del 1996 è stato stroncato dalla critica, che ha invece lodato La captive (2000) ispirato a Proust e Tomorrow we move (2004) in cui torna il rapporto madre figlia che accompagna, periodicamente, le tappe della vita e della produzione cinematografica di Akerman. Proprio il rapporto con la madre, come un testamento ideale di entrambe, tornano nella sua ultima opera No Home Movie. Un documentario presentato al Festival di Locarno del 2015. Un dialogo, forse amoroso, tra la regista e la madre che si avvia verso la fine, così come si avvia alla fine anche la nostra regista. Un addio ad un mondo troppo distratto. Incapace di abbandonare il bisogno voyeuristico indotto dall’industria del cinema a discapito delle attese, dei silenzi, delle azioni poco appetibili e poco eroiche della vita comune sapientemente messe in scena da Akerman.

Addio coraggiosa e geniale Chantal, con il tuo cinema ci hai emozionate e con la tua morte ancora di più perché è il segno che quella stagione felice è irrimediabilmente passata.


(www.societadelleletterate.it, 12/10/2015)

di Laura Minguzzi

Da tempo volevo visitare la Bielorussia e in agosto mi trovavo a Minsk. Vi ho trascorso un breve soggiorno in albergo sulle rive del fiume Svislač. Oggi leggo che Svetlana Aleksievič abita a Nemiga, un quartiere centrale sul fiume che attraversa la capitale. A poche centinaia di metri dal mio albergo. Alla casa editrice cui mi ero rivolta prima di partire perché volevo invitarla in Libreria a parlarci del suo ultimo libro, Tempo di seconda mano, mi avevano comunicato che era a Parigi e molto impegnata. Ho conosciuto Svetlana Aleksievič in Libreria nel 2002 in occasione della presentazione di un altro suo testo, Preghiera per Černobyl’, molto letto e conosciuto in Italia. Ne è stato tratto anche un testo drammaturgico, rappresentato al Teatro Verdi, che ebbe allora molto successo. Mi colpì allora il racconto della sua pratica di scrittura, ciò che poi dalla critica è stato definito un coro polifonico. Si era recata nei luoghi più devastati e a Pripjat’, uno di questi, aveva incontrato e ascoltato le persone che non volevano lasciare le città e i villaggi pur sapendo i pericoli che correvano. Centinaia di registrazioni di vissuti, che poi l’autrice ha riascoltato e passato al filtro del suo sentire e composto in una forma di corale preghiera. L’amore per la verità aveva spinto Svetlana Aleksievič ad andare di persona a Černobyl’, non fidandosi delle versioni ufficiali che venivano date dell’accaduto, e ci rivelò di avere problemi di salute in seguito al soggiorno prolungato nei villaggi contaminati. L’autrice ha scelto lo stesso approccio per il libro Ragazzi di zinco. Un libro reportage, così lo definisce lei nel ripercorrere la sua genesi: «Vidi arrivare un giorno in un villaggio della Bielorussia una bara di zinco che fu portata in una famiglia di miei vicini di casa. Non fu aperta: era vietato. La madre del ragazzo, soldato in Afghanistan, voleva sapere come era morto il figlio e vedere il suo corpo. Testimone di questo fatto, sentii la necessità di andare in Afghanistan per sapere la verità su questa guerra nascosta». La giornalista partì per Kabul nel 1988 e tornò dopo venti giorni, sconvolta e cambiata da ciò che aveva visto e sentito. Ma in Bielorussia non le fu perdonata la smitizzazione dei “combattenti internazionali”, fu trascinata in tribunale a Minsk, accusata di calunnia, antipatriottismo e diffamazione. In aula la giornalista dichiarò che «lo scrivere non è una professione neutra e dà l’immagine di un’epoca». Svetlana Aleksievič con il suo metodo di interrogazione e di ascolto paziente dei nodi di un profondo sentire toglie l’oscuramento e rompe i canoni del racconto di guerra, della narrazione storica, così come esce dal falso dilemma posto da chi si chiede cos’è stato il comunismo – chi lo vive con nostalgia, come un paradiso perduto, chi come un inferno – perché mostra se stessa nel processo doloroso di attraversamento della sofferenza per poter riscattare il passato. Al termine di questo processo di decantazione non c’è né negazione né idealizzazione e l’autrice riesce a separare il binomio sangue-utopia con l’integrazione nel presente della memoria del passato, modificando anche se stessa. L’ultimo libro, Tempo di seconda mano, quinto del ciclo sull’uomo russo che le è valso l’attribuzione del Nobel, è frutto di una raccolta di voci durata vent’anni. Mostra il risentimento per le speranze deluse della perestrojka, il silenzio degli intellettuali e lo scandalo dei nuovi ricchi che ostentano in TV i water d’oro nelle loro ville e gli yacht più grandi del mondo. Il desiderio di rivincita e il nazionalismo sono stati sfruttati da Putin per ottenere un largo consenso popolare per due elezioni consecutive dal 2001. Chi racconta la verità è considerato un traditore. Afferma la giornalista alla presentazione del suo libro, intervistata da Serena Vitale: «Una volta ci chiamavano dissidenti. Di solito si è dissidenti verso il potere. Esserlo verso il popolo è molto più grave. Quando le donne parlando della guerra dicevano delle banalità, io aspettavo e verso sera, stanche, cambiavano registro e in tono confidenziale mi parlavano come a un’amica cui desideravano dire la verità. Io non ero più la giornalista da temere. La persona vuole lasciare un segno. Come scrive F. Dostojevskij: “Ognuno grida la propria verità”. Non un’immagine intellettuale inventata del paese. Le persone stesse urlano la loro sofferenza. La sofferenza non si trasforma in libertà. La persona si accartoccia ed è come se il male non la riguardasse.» Il montaggio delle voci così raccolte non è impersonale, ma rivela lo sguardo soggettivo dell’autrice.

Svetlana Aleksievič ha vissuto dodici anni in Europa, ma poi ha deciso di ritornare a Minsk per stare vicino alla figlia. In realtà non ha mai veramente voluto trasferirsi definitivamente all’estero. Il suo paese le piace, anche se è consapevole di stare in mezzo alla guerra. Il conflitto in Ucraina ha creato due schieramenti: pro o contro l’Ucraina. La fine dell’Impero non è avvenuta negli anni novanta, ma sta avvenendo oggi nel sangue.

(www.libreriadelledonne.it, 11 ottobre 2015)

Domenica 11 ottobre, alle 22.10, su Rai 5 è andata in onda la prima puntata di Alfabeta, un programma di Nanni Balestrini, Maria Teresa Carbone e Andrea Cortellessa, che ne è anche il conduttore.

Al centro dell’attenzione della puntata c’era Amare. Tra gli interlocutori, Walter Siti, Aldo Nove, Rossana Campo, Gilda Policastro, Franco Berardi Bifo, Massimo Recalcati e Luisa Muraro, dal cui intervento riportiamo qui un breve stralcio.

(…) Le donne hanno accelerato, e in qualche maniera reso consapevole e detto, la fine del patriarcato. Sull’amare, sull’amore, la fine del patriarcato ha avuto effetti benefici: questa è la gloria della mia biografia personale e di tante altre donne della mia generazione. E con la fine del patriarcato abbiamo scoperto cose importanti.

Prima di tutto, abbiamo scoperto l’amore e l’amicizia tra donne. Un tempo l’amore e l’amicizia tra donne, se c’erano, venivano interrotti con la fine degli studi, col matrimonio, coi figli. Mia madre aveva delle bellissime, grandissime amiche, mio padre se le ricordava, ma lei non le andava più a trovare. Anzi, non voleva neanche che mio padre gliene parlasse.

E l’altro punto di amore, di innovazione, portato dalle donne sono le amicizie affettuose tra figlie e madri. Un giorno ho sentito in una trasmissione culturale del terzo programma un signore che diceva: «il ’68 è stata la rivolta dei maschi verso i padri, delle figlie verso le madri». Errore! Il femminismo ha voluto dire che abbiamo perdonato le nostre madri per gli sbagli che facevano nell’educarci, per esempio la sessuofobia… Abbiamo perdonato perché abbiamo capito che loro erano dentro il meccanismo del patriarcato, erano strette in questo ingranaggio. Noi ci siamo ribellate alle madri, avevamo anche l’anima ferita da questa ribellione, però poi abbiamo ristabilito il legame con loro.

(www.alfabeta2.it, 11 ottobre 2015)

Morta di recente a Torino a 96 anni, Carol Rama lascia una traccia fondamentale nell’arte contemporanea e nello stile di vita.

Si tenne a lato dei “movimenti” ufficiali dell’arte pur assorbendone alcune caratteristiche e questo fece sì che fino a tarda età non fosse considerata adeguatamente, a volte dimenticata, dalla cultura ufficiale dell’arte. Invece fu assai stimata ed aiutata da intellettuali di valore, primo nel tempo Edoardo Sanguineti, Lea Vergine la fece conoscere al mondo con la mostra «L’altra metà dell’avanguardia», Paolo Fossati, Carlo Mollino, Giorgio Manganelli  che le dedicò due articoli, nonché alcuni – pochi – galleristi e amici fedeli.

Nella vita e nell’arte fu molto coraggiosa incentrando, già da ventenne negli anni ’30, il suo lavoro sul desiderio fisico ed erotico, affrontato con verità puntuale quindi mai pornografica, mantenendo intatta la dirompenza.

Si dava molto nei rapporti, come se lei stessa, vita ed essere, trasmettesse naturalmente, avviene per poche persone, la sua dirompenza. Indimenticabile il lungo monologo tenuto anni fa al Circolo della Rosa.

Venne in Facoltà di Architettura a parlare agli studenti, tutti dissero che l’incontro con lei aveva dato loro forza nel guardare le cose con libero coraggio. Carol ha spostato i limiti senza romperli, nella morale, nel linguaggio artistico, nel linguaggio corrente. Lo spostare i limiti senza romperli è uno dei suoi insegnamenti.

Ci lascia un monumento in lavori d’arte che esprimono tutto ciò.

Il Circolo le dedicherà un incontro con proiezioni il 10 ottobre 2015 alle 18.00

(www.libreriadelledonne.it, 2 ottobre 2015)

di Barbara Mapelli

La filosofa francese, figura centrale del femminismo, racconta uno dei tabù più diffusi e meno “pensati”, quello della pedofilia.

E indaga sul nesso tra bellezza, amore e violenza che caratterizza i nostri rapporti con i bambini e le bambine, soggetti – e oggetti – senza parola delle relazioni con il mondo adulto.

Non so se quanto scrivo si possa definire una recensione. Mi sembra che il mio desiderio sia soprattutto quello di parlare del testo Paedophilia, di Annie Leclerc, per condividere i contenuti di un libro che ha il coraggio di affrontare ciò di cui si parla poco e male, solo o prevalentemente a livello di notizie di cronaca, distorcendo i significati della parola, distorcendo, impoverendo e banalizzando i signficati di quel che accade e che risuona potentemente in tutti e tutte noi. Desidero condividere emozioni, per quanto possibile, e contenuti e il coraggio dell’autrice che tratta un tema oscuro, che suscita orrore, scavalcando i manierismi dei/delle benpensanti, di coloro che dividono il mondo con sicurezza in bene e male. E non c’è dubbio dove collochino se stessi/e. Scrivo, o almeno tento, un dialogo con l’autrice seguendo puntualmente le sue pagine, pur nella brevità obbligata delle mie di pagine, ma certamente non sono soltanto una cronista fedele di questo libro, né desidero esserlo, io ci sono nelle scelte delle parole, dei brani citati, delle sottolineature di contenuti che particolarmente mi hanno colpito.

C’è un lupo, scrive Annie Leclerc, che si è mangiato una parola – e proseguendo nella lettura ci abituiamo progressivamente al suo linguaggio, alle immagini che si susseguono, fioriscono in ogni pagina, compaiono e poi rapidamente spariscono, ma restano incise nel pensiero e nell’emozione di chi legge. Ma chi è il lupo, o i lupi? Qual’ è la parola?

La parola è paedophilia, il titolo stesso di questo piccolo libro, ed è una parola che viene usata spesso, anche se divorata nei suoi significati o meglio resa ambigua negli anni fino ad assumere il senso più negativo, quello che suscita orrore, che semina il terrore, il silenzio e la morte. Se il termine significa letteralmente amore per i bambini, diviene nel tempo qualcosa che evoca solo il male più grande. Eppure l’amore per i bambini è un sentimento che abbiamo tutti e tutte, è il sentimento della vita, della gioia, della fiducia e come e perché si trasformi, si sia trasformato è un pensiero su cui poco o nulla si è riflettuto.

Ovunque i bambini e le bambine inondano i cartelloni pubblicitari, le pubblicità in tv, sono i mezzi più sicuri per vendere di tutto, non solo prodotti per l’infanzia, vengono presentati e presentate come piccoli angioletti bonbon che ci vengono serviti in tutte le salse…Eppure, a fronte di tutto ciò sembra che ai pensatori dell’umanità tutto questo importi poco, e che si stenda un silenzio inspiegabile, forse indecente, sulla fascinazione irresistibile di un’infanzia che ci induce a comprare cibi surgelati, detersivi, carta igienica…e più i loro corpi piccini, il loro sorriso e i passi incerti vengono esposti, più l’amore, il desiderio per loro si espande, diviene sentimento diffuso e santificato nella sua apparente purezza, nella gioia senza ombre che offre. Al di là di questo inespresso ed edificante sentire collettivo domina il silenzio, rotto solo dalle denunce delle violenze, senza che vi sia alcun tentativo di mettere in comunicazione, di rompere la rigida divisione tra bene e male. Silenzio, come il silenzio del bambino, della bambina aggredita sessualmente. D’altronde, ricorda l’autrice, l’etimologia di infanzia, infans, è costituita dalla particella privativa in e fans, partcipio del verbo fari, parlare: l’infante è colui/colei che non parla (ancora). Eppure la bambina violata – e Annie Leclerc introduce ora direttamente la sua storia – vorrebbe parlare, rompere la solitudine in cui il silenzio la chiude, ma la sua è l’esperienza dell’indicibile, lei è preda prigioniera del segreto dell’altro. All’uomo del sentiero – colui che l’ha fermata e violata in un luogo a pochi passi da casa – non ha potuto dire nulla, ai genitori nemmeno perché non ci sono parole per quanto è accaduto. La bambina, Annie da piccola, non vuole (non può) intaccare la fiducia assoluta che accorda agli adulti…Non vuole pensare: è davvero cattivo, mi vuole fare del male (…) La benevolenza degli adulti per i bambini è tutt’uno per lei con l’ordine del mondo: è la legge. Vuole restare, qualunque sia il prezzo da pagare, annidata nella legge della benevolenza come un feto nel ventre di sua madre (…) assume su di sé l’affonto e non fiata. E poi parlarne rende la cosa reale, una volta detta non si può più cancellare o dimenticare, e così alla vergogna per ciò che è accaduto si aggiunge la vergogna del silenzio, che la rende complice del crimine abominevole.

Ma Annie Leclerc si spinge ancora più in là ed è in questo coraggio ‘scandaloso’ che consiste, a mio parere, il merito maggiore del tuo testo.

Perché, lei afferma, davanti a un mondo adulto che si erge con grande sicurezza come giudice del crimine abominevole, e decide senza esitazione dove sia il bene, dove sia il male e si schiera in modo così risoluto contro il Male, il bambino già abusato da un adulto può, al posto dell’aperta antipatia davanti al suo carnefice che ci si aspetta da lui, al posto di questa dichiarazione di ostilità a cui è chiamato, riavvicinarsi al boia, all’ombra della vergogna dei deboli, in una solidarietà molto inquietante e insidiosa con ciò che conosce troppo bene: la solitudine di un inconfessabile segreto, la minaccia atroce della vergogna portata alla luce, questo stesso destino di terrore intimo e quotidiano…

L’indignazione e l’orrore adulto non crea solo distanza tra bene e male, crea barriere invalicabili, crea impossibilità di varchi, indicibilità e non volontà di cercare veramente di penetrare il segreto, i mille segreti della pedofilia ‘delicata’ racchiusi in ciascuno.

La divisione appare e viene dichiarata con sicurezza come netta e insormontabile tra una pedofilia gentile, attenta, amorosa, vale a dire pedagogica, e la volgare brutalità dei violentatori sanguinari, c’è una distanza infinita, insuperabile e indicibile. Il giorno e la notte. La bontà e la cattiveria. La grazia e la bestialità.

Ciò che ci si rifiuta di considerare è che l’amore stesso per i bambini e le bambine, il significato originario della parola pedofilia, può essere all’origine del disastro, della violenza. Porre barriere mette al sicuro l’indignato benpensante all’interno del recinto rassicurante della bontà, della tenerezza, della commozione innocente nei confronti del miracolo seducente dell’infanzia. Ma impedisce ogni sforzo di comprensione. E a questo punto la denuncia dell’autrice è precisa e netta.

Se non si cerca di capire cosa può accadere a coloro la cui sessualità si realizza a scapito dei bambini, se non ci preoccupiamo d’altro che di metterli in prigione, e di impedire con qualche coercizione originale che possano nuocere ancora una volta, non solo non si va al cuore del problema, ma lo si mantiene in vita. L’impensabile genera l’indicibile. L’indicibile allarga ulteriormente lo spazio del segreto in cui agisce il pedofilo. I mezzi per pensare l’impensabile li abbiamo: la comune passione per i bambini, il desiderio sessuale, ma anche qualche traccia in noi stessi, incancellabile, di infanzia oltraggiata: ferita segreta di sé, vergogna ridotta al silenzio senza la quale il pedofilo non avrebbe trovato la sua pastura.

Quanto Annie Leclerc scrive dunque su questo tema ‘lascia senza parole’, come annota Lea Melandri nella sua bella prefazione al volume, e lascia senza parole ‘dover ammettere che vita e morte, tenerezza e violenza, così come le abbiamo conosciute finora, si danno inspiegabilmente intrecciate’. Eppure l’autrice afferma, in una delle ultime pagine del libro, di non credere all’ineluttabilità della violenza, alla naturalità dell’homo homini lupus, una favola triste, dolente e oscura, aggiungo io, inventata dagli uomini cui anche noi donne abbiamo in parte creduto e abbiamo in parte soggiaciuto. Questa presunta naturalità è il frutto di una cultura antica, ma non originaria, su cui si può dunque riflettere e agire per trasformare.

Con le parole di Annie Leclerc. Che si sappia soltanto che non credo in effetti ad alcun impulso primario nell’uomo di aggredire, di nuocere, di stuprare e di uccidere. Penso che non abbiamo altra passione che quella di vivere – portare a compimento la vita fino alla sua fine che a ciascun passo l’assedia, vale a dire fino alla morte – e che la violenza, l’omicidio, la guerra sono delle passioni rivolte contro la vita.

Annie Leclerc, Della paedophilia e altri sentimenti, prefazione di Lea Melandri, traduzione di Luciana Piddiu e Giovanna Stancanelli, ed. Malcor D’, Catania 2015


(Leggendaria. Libri letture linguaggi – n. 111- maggio 2015)

di Luciana Tavernini

Al Circolo della rosa –Libreria delle donne Mercoledì 7 ottobre 2015 si è svolto un incontro dal titolo Il mal sottile in cui Marina Corona, autrice del romanzo La storia di Mario (Robin Edizioni 2013) ha dialogato con Luciana Tavernini.

Sonia Grandis ha letto alcuni brani accompagnati dalla videoinstallazione di Regina Hübner.

Presentiamo la descrizione tecnica della videoinstallazione e i link ai singoli video, oltre a una scheda biografica dell’artista.
La videoinstallazione è composta dal filmato time, che accompagnerà come un filo conduttore tutta la lettura e al cui interno appariranno le quattro opere video Mensch, specials, receiving care I e journey II, rispettivamente per i quattro capitoli del romanzo, che verranno letti.

time mostra il continuo cadere di una goccia di latte e il formarsi piano piano di un laghetto, finché il processo non si inverte e le gocce risalgono una dopo l’altra, prosciugando il lago di latte. L’inversione coincide con Maria, la parte seconda del libro.

Durante la lettura si vedranno all’incirca 30 minuti da time (video digitale a colori, 1h17’58”, senza sonoro, 2005).
https://youtu.be/CQa9K0_OOWU

Per il capitolo 5 si vedrà, all’interno del flusso di time, l’opera Mensch (video digitale, b/n, 1’56”, senza sonoro, 2007).
https://youtu.be/AWuqmTP46Rg

Per il capitolo 16 si vedrà, all’interno del flusso di time, il videowork specials (video digitale a colori, 2’56”, musica registrata dal vivo, 2012).

https://youtu.be/ypNNATBZ_j0

Per il capitolo 22 si vedrà, all’interno del flusso di time, il videowork receiving care I (video digitale a colori, 2’28”, sonoro ambientale modificato e silenzio, 2015).
https://youtu.be/KFesNeGRV68

Per il capitolo 30 si vedrà, all’interno del flusso time, journey II (video digitale a colori, 1’41”, senza sonoro, 2013).
https://youtu.be/ds7GgY9ZISc

Regina Hübner, nata a Villach in Austria, vive a Roma.

Visual artist da oltre 25 anni, lavora con fotografia sperimentale, video, performance e installazioni multimediali. Nei suoi lavori recenti tratta le tematiche delle relazioni interpersonali, dei viaggi interiori, dei gesti che possono determinare cambiamenti di stato, di relazione e di riflessioni sul mondo.

Si è diplomata in Graphic-Design alla Höhere Lehranstalt für Kunst und Design HTBLVA Graz-Ortweinschule di Graz in Austria e laureata in Scultura all’Accademia di Belle Arti di Roma.

Il 10 ottobre di quest’anno presenterà in occasione della Giornata del Contemporaneo AMACI in riva al mare di Roma world I with Mare, una videoinstallazione con Mare del compositore Luca Lombardi.

Nel 2015 ha esposto l’opera video time all’EXPO Milano, padiglione del Corriere della Sera e il videowork connecting times and relationships è stato decretato tra i vincitori del Premio Biblioteca Angelica Roma, alla sua prima edizione.

Nel 2014 il suo video journey II è risultato tra i finalisti del Premio Terna 06, con mostra all’Archivio di Stato di Torino e ha presentato a Roma la mostra relationships, nel cui ambito si è svolta la videoinstallazione con performance musicale relating and extending.

(www.libreriadelledonne.it, 7 ottobre 2015)

Morta di recente a Torino a 96 anni, Carol Rama lascia una traccia fondamentale nell’arte contemporanea e nello stile di vita.

Si tenne a lato dei “movimenti” ufficiali dell’arte pur assorbendone alcune caratteristiche e questo fece sì che fino a tarda età non fosse considerata adeguatamente, a volte dimenticata, dalla cultura ufficiale dell’arte. Invece fu assai stimata ed aiutata da intellettuali di valore, primo nel tempo Edoardo Sanguineti, Lea Vergine la fece conoscere al mondo con la mostra «L’altra metà dell’avanguardia», Paolo Fossati, Carlo Mollino, Giorgio Manganelli  che le dedicò due articoli, nonché alcuni – pochi – galleristi e amici fedeli.

Nella vita e nell’arte fu molto coraggiosa incentrando, già da ventenne negli anni ’30, il suo lavoro sul desiderio fisico ed erotico, affrontato con verità puntuale quindi mai pornografica, mantenendo intatta la dirompenza.

Si dava molto nei rapporti, come se lei stessa, vita ed essere, trasmettesse naturalmente, avviene per poche persone, la sua dirompenza. Indimenticabile il lungo monologo tenuto anni fa al Circolo della Rosa.

Venne in Facoltà di Architettura a parlare agli studenti, tutti dissero che l’incontro con lei aveva dato loro forza nel guardare le cose con libero coraggio. Carol ha spostato i limiti senza romperli, nella morale, nel linguaggio artistico, nel linguaggio corrente. Lo spostare i limiti senza romperli è uno dei suoi insegnamenti.

Ci lascia un monumento in lavori d’arte che esprimono tutto ciò.

di Bia Sarasini

È un grande piacere leggere Sei romanzi perfetti, il bel libro che Liliana Rampello ha dedicato a Jane Austen. Lo stesso piacere che si prova a leggere i sei testi in questione, da Ragione e sentimento a Persuasione, da Orgoglio e pregiudizio a Mansfield Park, per finire con Emma e L’abbazia di Northanger. Rampello trova, nell’accostarne l’opera, lo stesso tono lieve e leggero che ne caratterizza la scrittura, una speciale forma di sintonia, che fa sì che nel trascorrere dal commento critico alle numerose citazioni che intessono il ragionamento, non si avverta un salto. Insomma il libro si legge come un romanzo, per usare una formula abusata eppure efficace. Il disvelamento di alcune strutture narrative, la messa a fuoco delle caratteristiche peculiari di personaggi e personagge, ha l’andamento della scoperta di un segreto, si struttura come un plot in cui è piacevole immergersi.

E cosa dice Liliana Rampello di una scrittrice così nota, così letta, così amata? Un’autrice che dall’angolo di campagna inglese in cui ha vissuto e che ha raccontato tra il Settecento e l’Ottocento, è arrivata fresca e intatta fino a noi, mentre i suoi romanzi vengono letti e riletti, si moltiplicano gli adattamenti, le versioni cinematografiche d’epoca e moderne, i fan club. L’obiettivo non è svelare ancora una volta il segreto di una scrittura essenziale, calibrata, attenta ai particolari e mai leziosa, equilibrata nello svolgimento e feroce nei dettagli. Rampello pone all’attenzione soprattutto il chi e il come Jane Austen racconta.

Insomma, a interessare Rampello non è la mirabile osservatrice di trame sociali, quella qualità che anche i più ingenerosi dei critici sono stati costretti a riconoscerle, per esempio Vladimir Nabokov, che seppure definisce Mansfield Park “l’opera di una signora”, le attribuisce “una vena di genio”. Anche se parte da questa notazione: «Acuta e silenziosa osservatrice, la scrittrice posa sugli uomini uno sguardo impavido, poco tradizionale, anzi molto moderno, perché interno non alla logica ma alla complementarietà dei sessi, ma quella dello scambio».

Impavida narratrice, la signorina Austen mette in scena una storia inedita, mai raccontata, che non si ispira a nessuna precedente tradizione. La storia delle relazioni tra donne e uomini, ragazzi e ragazze anzi, «nell’età più lieve e di massima responsabilità: forse è per questo che parla ancora ai giovani di quell’età, cui oggi non sono date più né leggerezza né responsabilità, e a chi, con un passato alle spalle, sa che tutto in effetti è capitato allora».

Il gioco massimamente serio che passa tra quelle ragazze e quei ragazzi è ovviamente quello del matrimonio. Che non ha nulla a che fare con il sogno d’amore, con la trappola che imprigiona le donne, quella è una narrazione successiva. Il matrimonio, nella prospettiva di Jane Austen, è realtà concreta, fatta di relazioni, sentimenti, ragionamenti. E patrimoni.

Il denaro ha una parte centrale. Per questo queste ragazze, queste donne sono libere. Perché scelgono, pensano, ragionano per quanto possibile, sul loro destino. Non lo subiscono. E forse è questo il segreto che possono condividere con le ragazze di oggi, che hanno tra le mani un sogno d’amore in frantumi, e non hanno chiaro come comporre il loro futuro.

Rimane un punto da vedere, per comprendere come le personagge di Austen agiscono, cosa effettivamente raccontano, nell’«invenzione della narrazione del mondo, scoppiettante riga dopo riga fino all’esplosione finale, che non è il matrimonio, ma la felicità».

E questo è il punto centrale dell’interpretazione di Liliana Rampello. I romanzi di Jane sono romanzi non di formazione di un io definito come è nelle storie maschili, ma di trasformazione di sé. E il dialogo, la conversazione sono l’azione necessaria e sufficiente perché la trasformazione avvenga. Sembra semplice, è un passaggio essenziale, che apre una nuova finestra nella ricerca sulla narrazione da parte delle donne.

Ogni romanzo viene riletto alla luce di questa chiave critica, che apre nuove porte per ogni singolo testo. Chiudo questo viaggio nel racconto del libro che racconta Jane Austen, con la chiusura del libro, dedicata alle passioni, alla “straordinaria libertà interiore” regalata dall’autrice alle sue eroine.

«Le immagini che abbiamo della cultura materiale e immateriale dei due secoli, della loro temperie morale e culturale, sono attraversate da lei con il leggero e miracoloso equilibrio di chi conosce e accetta le proprie radici senza paura dell’autenticità complessa della natura umana e degli inevitabili cambiamenti umani e sociali. Perché tra le sue mani Jane Austen tiene stretto il desiderio di felicità di una donna».

Liliana Rampello, Sei romanzi perfetti, Il Saggiatore, pp. 200, euro 18

SIL – Società Italiana delle Letterate (http://www.societadelleletterate.it/  9/10/2015)

Le foto e i filmati inediti di Antonia Pozzi che verranno digitalizzati

“Non è triste che i nostri occhi si chiudano? Vorremmo che i nostri occhi restassero sempre aperti, per poter vedere, prima della fine, tutto ciò che si perde”. Questa frase di Rainer Maria Rilke, poeta fondamentale nella formazione letteraria di Antonia Pozzi, sembra condensare il lirismo della grande poetessa milanese. Lirismo evidente sia nelle poesie che nelle sue foto e filmati.

Oltre a quelli già conosciuti, sono sei i filmati inediti che saranno restaurati e digitalizzati per l’occasione della mostra “Sopra il nudo cuore” e del successivo Catalogo Integrato e digitale dedicato alla sua opera, per la cui realizzazione è stata avviata la campagna di crowdfunding e di cui qui di seguito troverete tutte le informazioni. Tra questi sei filmati, quattro sono realizzati da Antonia Pozzi a metà degli anni Trenta. Le immagini molto interessanti dal punto di vista storico, sociale e artistico raccontano Pasturo (la casa, il giardino, la madre, i giochi); paesaggi e passeggiate tra le malghe e montagne della Grigna; Como, la borghesia lombarda, un viaggio in traghetto sul lago; un viaggio in Marocco. Glia altri due sono invece realizzati dal padre e ritraggono la poetessa assieme agli amici Remo Cantoni e Vittorio Sereni a Pasturo e in altri momenti conviviali.
[…]
ANTONIA POZZI E IL PROGETTO DEL CATALOGO INTEGRATO E DIGITALE

Antonia Pozzi (Milano 1912-1938) si sta rivelando sempre più come una figura nevralgica del Novecento. La sensibilità umana, le sofferenze intime, la formazione filosofica, gli interessi culturali e sociali, le amicizie, le passioni (l’alpinismo, la fotografia…) si concentrano nella sua poesia, nelle sue riflessioni, nelle sue immagini, diventando una vera e propria sismografia esistenziale e sociale. Proprio per questo è importante continuare a indagare la sua opera e gli inediti che gli archivi ci svelano. Antonia Pozzi ci parla ancora. Proprio per tutti questi motivi è importante permettere agli appassionati di usufruire di un Catalogo virtuale per conoscerne l’opera completa, proprio per questo abbiamo pensato al crowdfunding.

Il Catalogo integrato e digitale dedicato ad Antonia Pozzi è un progetto che presenta – con nuovi mezzi, tecnologie, sensibilità – la voce originale della poetessa e pensatrice, di cui si stanno riscoprendo i molteplici interessi artistici e la sfaccettata personalità culturale, attraverso l’opera complessiva (quella conosciuta e quella finora inedita) con poesie, scritti, lettere, foto, video.

[…]

Come partecipare al crowdfunding e le interessanti ricompense:

Sulla piattaforma di Eppela – al link: http://eppela.com/catalogointegratoedigitale – si possono trovare tutte le indicazioni per partecipare al crowdfunding.

Fondazione Cineteca italiana

Manifattura Tabacchi, viale Fulvio Testi 121, 20162 Milano

tel. 02 8724 2114 – www.cinetecamilano.it

“Poter andare dove si vuole è il gesto originario dell’essere liberi, mentre la limitazione di tale libertà è stata da tempi immemorabili il preludio della schiavitù”.

“Non possiamo scegliere con chi coabitare il mondo”.

Hannah Arendt

In Europa si stanno moltiplicando i fili spinati, i muri, le recinzioni. L’esodo dei migranti si trasforma in un vero e proprio percorso di guerra, disseminato di mine non più solo metaforiche ma concrete e reali ed anche di particolari simbolici che danno i brividi, come i numeri disegnati sulle braccia, o l’accoglienza in campi nei pressi di Buchenwald. Le rotte della fuga stanno cambiando, ora sotto i riflettori ci sono quelle balcaniche via terra, ma i viaggi e le stragi via mare continuano a verificarsi. E ci sono profughi che muoiono fulminati a Calais cercando di scavalcare la rete che impedisce l’accesso al Regno Unito.

Quelle donne e quegli uomini in fuga entrano nella realtà del nostro stare al mondo, i loro corpi potrebbero essere i nostri, i loro figli potrebbero essere i nostri figli, potremmo sentire lo stesso freddo, la stessa paura, la stessa fame.

Che cosa significa allora per noi essere cittadine europee? Che cosa rappresentano, per noi, confini e frontiere rispetto al diritto alla vita? “Primum vivere”, è la sfida lanciata da moltissime donne dei movimenti fin dall’incontro di Paestum. Un’Europa percorsa da logiche carcerarie e di confinamento non è un luogo in cui possiamo accettare di vivere.

C’è il rischio di una profonda regressione verso momenti storici che non vorremmo mai veder tornare. Uomini e donne del volontariato e semplici persone comuni cercano in ogni modo di assistere e proteggere le ondate di profughi in continuo arrivo… ma con questi numeri è impossibile riuscirvi, se non sono le istituzioni a dare il senso di un’accoglienza umana, solidale e condivisa in tutto il suolo europeo.

Ecco perché è importante che gruppi di donne come il nostro prendano parola. Qualcuna tuttavia si chiederà: perché dovremmo farlo come donne? Forse perché sappiamo bene che dietro il rifiuto dei migranti sta l’eterno rifiuto del diverso, base dell’ideologia patriarcale che ha creato gerarchie fra gli esseri umani, decretando la superiorità dell’uno sull’altro: bianco-nero, nord-sud, e prima di tutto maschile-femminile… Nel mondo politico neutro pochi sembrano comprendere che cosa sia davvero in gioco, la metamorfosi profonda e inarrestabile che le popolazioni migranti stanno producendo, un cambio epocale che muterà tutti i nostri modi di pensare, le nostre pratiche e le nostre regole di convivenza. Si tratta di andare finalmente oltre la paura e il rifiuto del diverso… Le donne ne sanno qualcosa.

Dobbiamo fare un salto evolutivo di civiltà, tenendo a mente quelle semplici ma bellissime citazioni di Hannah Arendt sulla libertà e sul diritto di spostarsi. Una serie di cambiamenti portati dalla globalizzazione, soprattutto nelle comunicazioni, hanno reso impossibile, oltre che inaccettabile, mantenere barriere e confini che di fatto dividono l’umanità tra chi ha il diritto di vivere e chi no.

Vecchi e nuovi poteri cercano di tenere in vita questo sistema di dominio rafforzando gli strumenti del patriarcato – armi, guerre, frontiere – contro l’avanzare di un “continente” in fuga (quasi 60 milioni di persone nel mondo), mentre al contrario si fa sempre più chiara la necessità di costruire un concetto di cittadinanza inclusiva, a partire dalle concrete e materiali condizioni di vita che accomunano le persone su questo pianeta, e dal riconoscimento delle differenze individuali e collettive come ricchezza e relazione. Non è un cammino facile, si tratta di un grande lavoro, ma occorre iniziare. Il pensiero e le pratiche delle donne potrebbero contribuirvi efficacemente grazie a una storia che ha visto il nostro genere confrontarsi per millenni con l’esclusione e il non-riconoscimento.

Proponiamo quindi alle reti e ai gruppi di donne italiane ed europee di organizzare al più presto un incontro per decidere quali parole e quali iniziative vogliamo condividere. Ne accenniamo qui alcune possibili:

1. Chiediamo alla comunità internazionale di garantire corridoi umanitari e percorsi di viaggio sicuri per tutti i richiedenti asilo. In particolare desideriamo fare luce sulla situazione delle donne nei campi in Libia e altrove, dove subiscono violenza.
2. Riteniamo giusto accogliere tutti i migranti, anche quelli cosiddetti “economici” che rischiano comunque la vita fuggendo da condizioni climatiche ed economiche rese insostenibili da responsabilità delle potenze occidentali e neocoloniali.
3. Proponiamo di avviare un percorso di riflessione per oltrepassare i confini delle regole prodotte dal sistema patriarcale che ancor oggi stanno alla base di un’idea di cittadinanza legata ad appartenenze identitarie, territoriali e nazionali.

Casa delle donne di Milano

Prime adesioni: Casa delle donne di Roma, Ife Italia, Donne nella crisi, Marcia mondiale delle donne


(casadonnemilano.it, 9/10/2015)

Carissime e carissimi,

in questo link https://askavusa.wordpress.com/3-ottobre-2013-3 ottobre-2015/ troverete il film di Antonino Maggiore Lampedusa 3 ottobre 2013 i giorni della tragedia, che potrete scaricare e vedere. Troverete anche la lista delle Città Vicine che hanno proiettato il film: Lampedusa, Catania, Catanzaro, Foggia, Napoli, Verona, Milano, Castel Maggiore, Roma, Pinerolo, Cazzago di Pianiga, Fano, Vicenza, Castelfranco Veneto, Chioggia.

Come vedete il contributo delle Città Vicine è stato notevole e vogliamo ringraziarvi (anche da parte di Askavusa) per il vostro interesse e la vostra attenzione riguardo questo tema.

Io penso che questo evento e la sua organizzazione abbiano ulteriormente rinsaldato politicamente il filo tra noi e tra noi e Lampedusa, ci abbiano aiutato ad avere uno sguardo diverso sulla questione dei migranti, uno sguardo che sicuramente ha attraversato maggiormente le nostre coscienze, facendoci riflettere sullo scenario di militarizzazione che i governi di buona parte del mondo stanno mettendo in atto, approfittando della situazione difficile che si è venuta a creare in Europa. Vi esorto a scrivere le vostre considerazioni, impegnandomi a farle girare tra i contatti delle Città Vicine. In #Via Dogana3 trovate le riflessioni di Anna Di Salvo Una cornice di bellezza.

Buona giornata a tutte e tutti

Mirella Clausi, mirellacla@gmail.com

(www.libreriadelledonne.it, 9 ottobre 2015)

Cinema. «Suffragette» apre il London Film Festival, la storia del movimento femminista inglese con Carey Mullligan e Meryl Streep. Nelle nostre sale il prossimo gennaio, inaugurerà il Torino Film Festival 2015

di Rita Di Santo 

Pren­dono a sas­sate le vetrine dei negozi di bam­bole, con pac­chi bomba fatti in casa fanno sal­tare in aria le cas­sette delle poste, pic­chiate a man­ga­nel­late dai poli­ziotti fini­scono in pri­gione, i mariti le cac­ciano di casa, per­dono lavoro, casa e figli. Le suf­fra­gette sono il sog­getto appas­sio­nate del film che ha aperto il Lon­don Film Festi­val – fino al 19 otto­bre e che aprirà il pros­simo Festi­val di Torino, 20-28 novembre.
Diretto da Sarah Gavron (Brick Lane) e scritto in col­la­bo­ra­zione con Abi Mor­gan (Shame, Iron Lady), Suffra­gette (nelle nostre sale il pros­simo gen­naio) rac­conta la sto­ria del movi­mento fem­mi­ni­sta bri­tan­nico e di alcune tra le sue pro­ta­go­ni­ste. Carey Mull­li­gan è Maud, ope­raia impie­gata in una lavan­de­ria della peri­fe­ria povera di Ben­thal Green, a East Lon­don. Come dice nella depo­si­zione di fronte ai par­la­men­tari di West­min­ster, figlia di padre ignoto, orfana a quat­tro anni, a sette si ritrova a lavare panni spor­chi per una delle più grosse lavan­de­rie della capi­tale. Ora ha 25 anni, spo­sata con un marito con­ser­va­tore (Ben Whi­shaw) anche lui impie­gato alla lavan­de­ria, vive in una stanza, con un figlio pic­colo da man­te­nere. «Cosa importa a un’operaia come Maud del diritto di voto?» le chie­dono i par­la­men­tari. «Non lo so – risponde lei timi­da­mente – Non ho mai pen­sato che potesse acca­dere». E poi bisbi­glia: «Ma forse è possibile».
Le diverse sto­rie di donne si avvol­gono, in una strut­tura nar­ra­tiva com­patta da cui emerge il com­plesso pro­cesso d’emancipazione. Ragio­nato nella scrit­tura, risolto senza comizi o tro­vate spet­ta­co­lari, il film segue soprat­tutto le sto­rie d’ineguaglianza dell’epoca. Nella lavan­de­ria lo sanno tutti che il pro­prie­ta­rio abusa ses­sual­mente delle ope­raie, le ado­le­scenti sono le vit­time più fre­quenti. A casa i mariti ubria­chi pic­chiano le mogli, al lavoro a parità di ore, il sala­rio degli uomini è sem­pre il dop­pio, e nella fami­glia sono ancora loro a eser­ci­tare un diritto totale sui figli.
Maud è dop­pia­mente schiac­ciata, è povera ed è suc­cube del marito. La sua coscienza si risve­glia gra­zie all’amica atti­vi­sta Vio­let. Attra­verso gli occhi espres­sivi di Mul­li­gan, vul­ne­ra­bile e forte, il rac­conto dei soprusi, privo di sen­ti­men­ta­li­smo, assume una verità commuovente.
La regi­sta Sarah Gra­van segue l’organizzazione clan­de­stina di soli­da­rietà tra le donne che vogliono scar­di­nare il mec­ca­ni­smo di con­trollo e potere dei poli­tici di West­min­ster, e di una lotta fisica, men­tale este­nuante in cui l’operaia è accanto alla bor­ghese e all’aristocratica. Nel cast, tante bravi attrici inglesi, tra cui Anne-Marie Duff, l’operaia atti­vi­sta, o Helena Bon­ham Car­ter, far­ma­ci­sta che nel retro­bot­tega fab­brica le bombe. E non poteva man­care Meryl Streep, nel ruolo della fem­mi­ni­sta sto­rica Emme­line Pan­khurst, che dal suo quar­tiere ari­sto­cra­tico infiamma gli animi.
La regi­sta usa la sua espe­rienza di docu­men­ta­ri­sta per rico­struire la Lon­dra degli anni Venti con natu­ra­lezza e rea­li­smo. Come nelle car­to­line vin­tage, con l’accuratezza dei col­le­zio­ni­sti, gli oggetti sem­brano uscire dal Vic­to­ria and Albert Museum: le teiere di cera­mica, le car­roz­zine per neo­nati con le ruote grandi. Rivive Oxford Street con i primi auto­bus, le mac­chine dell’epoca, i suoi negozi e le strade affollate.
[…]

(il manifesto, 9/10/2015)

Intervista. Losangelina, Amy Berg ha lavorato otto anni al film per raccontare oltre la musica tra lettere, immagini d’archivio, ricordi di amori, amici, famiglia Joplin.

Una piccola comunità di femministe sperimenta un altro modo di raccontare quanto è accaduto.

di Stefania Scateni

C’è storia e storia, anzi ce ne sono tante. Dal 2006, alla Libreria delle Donne di Milano una piccola comunità di donne (sono sei: Marirì Martinengo, Laura Minguzzi, Laura Modini, Giovanna Palmeto, Marina Santini, Luciana Tavernini) si occupa di “storia vivente”, una pratica nata da una ricerca storica iniziata da Martinengo con l’intento di dedicare attenzione alla storia, la più politica delle discipline; vogliono cambiare la storia insegnata a scuola, prendere le distanze dai manuali di storia e mettere in discussione l’uso del linguaggio neutro.

Cominciano a sfogliare il passato, vanno a vedere i livelli di resistenza femminile resi opachi dalle interpretazioni storiografiche riduttive e fuorvianti, ragionano sull’assenza dalla storia delle comuni vite quotidiane di donne e uomini, assenza che fa della storia un pianeta deserto, freddo; scoprono un filo continuo di libertà femminile che percorre il passato e giunge fino al presente, individuabile in tracce lasciate nel tempo. Portano avanti la ricerca storiografica con finalità educative e politiche: lavorano per un cambio di civiltà.

Il gruppo ha una relazione privilegiata e costante con la storica spagnola María Milagros Rivera Garretas, con cui si confrontano, con le storiche di Duoda e scambi con Monica Martinat dell’Università di Lione.

Per capire meglio che cosa sia la storia vivente abbiamo chiesto aiuto a Laura Minguzzi. «Sono, siamo, da tanti anni in questa Comunità», racconta Laura. «Abbiamo iniziato su suggerimento di Marirì, che aveva proposto di lavorare a una disanima sulle badesse del Medioevo e ne nacque un libro, Libere di esistere. Nel 2005 Marirì Martinengo decise di raccontare la propria storia incentrata su sua nonna, che venne fatta sparire dalla famiglia, borghese; chissà di quale macchia si era sporcata. Marirì trovò qualche traccia, foto, racconti e riuscì a sapere che la nonna era stata “rinchiusa” in una casa di cura e nessuno la nominò più. Quel lavoro coinvolse emotivamente l’autrice, anche lei era dentro la narrazione. Era un nuovo modo di raccontare la storia.»

L’anno dopo il gruppo abbraccia questo nuovo approccio alla storia: non più ritratti in contesto di donne del medioevo, ma partire da sé, indagare i nodi che hanno condizionato la propria vita e poi andare nel mondo.

Ma in concreto come lavorate? «La storica mette in discussione la sua specificità e rinuncia alla sua neutralità – spiega Laura Minguzzi – La voce di chi scrive è coinvolta, ma non si tratta una storia di sentimenti, bensì di libertà dentro la storia e “verità”, a partire da se stesse, per affrontare i nodi irrisolti della nostra vita. Fondamentale è la pratica dell’ascolto del gruppo. Si legge il testo alle compagne e poi se ne parla: prima il racconto è orale, a seguire la scrittura e poi la lettura alle compagne. Curiamo in modo particolare la scrittura.»

La storia vivente ha qualche attinenza con un genere letterario già sperimentato, che mescola la storia e autofiction, pensiamo per esempio ai meravigliosi libri di W.G. Sebald oppure di bestseller di Emmanuel Carrère ma, senza offesa, la vostra pratica assomiglia a una terapia di gruppo o un’autoanalisi… «Non sono d’accordo – ribatte Laura -, la nostra pratica è soprattutto una pratica politica, scriviamo per trasformare noi stesse e le relazioni con l’altro e di conseguenza cambiare la politica. Lavoriamo per avere più autorità, per agire, porre questioni alla storia«.

Chiedo: avete incontrato donne in Italia o all’estero che hanno sperimentato qualcosa che si avvicina alla storia vivente? «Il nostro desiderio è che anche altre donne sperimentino la pratica della storia vivente. Qualcosa si muove anche all’estero, abbiamo individuato in alcuni testi, pratiche simili alla nostra. Per esempio nei libri di Svetlana Aleksievič, una giornalista bielorussa che racconta le tragedie del mondo ex-comunista; nel suo ultimo libro Tempo di seconda mano affronta, a partire dalla rivelazione di un non detto da parte del padre, un frangente storico problematico del suo paese. Oppure la documentarista Reynalda Del Carmen, che ha lavorato su un nodo familiare e politico: il silenzio della madre sulla scomparsa della sua amica più importante durante la dittatura nel Cile».

Intanto due della Comunità hanno sperimentato un altro modo di fare storia. Marina Santini e Luciana Tavernini hanno pubblicato un libro di storia del femminismo, Mia madre Femminista. Voci da una rivoluzione che continua, edito da Il Poligrafo, con la collaborazione di decine di donne.

dal 10/10 al 18/10 2015

OpenEnig
(disinstallazione)

happening: 10 ottobre 2015 ore 17:00

Musée de l’OHM c/o Museo Civico Medievale | Istituzione Bologna Musei

in collaborazione con AMACI
XI Giornata del Contemporaneo

In che modo le relazioni private possono sottrarsi ai limiti individuali senza perdersi?

E’ a partire da questa domanda che nel 2008 immagino Musée de l’OHM, un oggetto dallo statuto incerto – nominalmente un comò nel quale conservare una serie di oggetti d’affezione destinati ad una ricezione individuale – e di farlo funzionare come museo all’interno di un museo pubblico. Nel 2009, dopo l’inaugurazione alla galleria neon>campobase, Musée de l’OHM apre l’attività espositiva nella Sala 2 del Museo Civico Medievale di Bologna, grazie ad un rapporto di comodato. Da allora si sono svolte all’interno di OHM numerose mostre ed eventi collaterali e la collezione si è ampliata attraverso le donazioni di molti artisti. Le modalità di conduzione di OHM, articolate tramite statuto dall’associazione omonima, hanno teso a mettere in opera i problemi da esso generati e fondamentalmente legati alle dinamiche di socializzazione dell’arte contemporanea. Per questo stesso motivo, dopo 6 anni di attività “sperimentale”, ho deciso di donare l’opera che è risultata dall’insieme di questi processi, all’istituzione in seno alla quale si sono svolti. Non come gesto “oblativo” nè ignara delle intrinseche contraddizioni. Ma proprio per chiarire il fatto che queste ultime sono espressione di un processo che è necessariamente pubblico.

Chiara Pergola

Con OpenEnig – titolo derivante dal “refuso” impresso sul catalogo del Musée de l’OHM – Chiara Pergola realizza la disinstallazione di Suspense: l’uovo sospeso sopra al mobile in attesa di una risposta alla proposta di donazione finalmente precipita all’interno di ciò che rappresenta. L’happening avrà luogo il 10 ottobre alle ore 17 e segnerà l’ingresso di Musée de l’OHM all’interno della collezione dell’Istituzione Bologna Musei. Dall’11 al 18 ottobre sarà visibile una videoproiezione che documenta l’azione.

OHM è: … e tutti coloro che sono passati

Che cosa ci fanno nella cucina del Circolo della rosa di Milano sei donne diverse, che non sono cuoche di professione? Cucinano, ovviamente, ma per chi? per altre donne e uomini che frequentano la Libreria delle donne e amano quello che significa: una politica delle relazioni e della soggettività femminile libera. In questo contesto, c’è più gusto a cucinare e, cucinando, a parlare di sé e del mondo. Come mettersi intorno al focolare che scalda e cuoce, in un cerchio che si allarga. Estia era l’antica dea del focolare. Preparato con passione e arte, il cibo dalla cucina passa tra i tavoli a nutrire la buona conversazione, creando cultura condivisa. Affiora così il legame tra convivenza civile e preparazione del cibo, che è uno dei grandi contributi delle donne alla civiltà. Loro, le sei signore della cucina, la chiamano cucina relazionale. In questo piccolo libro, Fuochi, hanno riposto alcuni dei loro segreti e dei loro vissuti. Sono racconti, pensieri, fatti e naturalmente… ricette.



24 luglio 2014: Bella intervista di Bruna Miorelli a Stefania Giannotti su Radio Popolare

Ecco alcune recensioni, già pubblicate sul sito, uscite in questi mesi: